Diferencia entre Bach y Haendel.

HAENDEL.
Nació en Alemania en 1685, el mismo año que J.S. Bach, sólo que con cuatro semanas de diferencia. Pertenecía a una familia que profesaba la religión luterana, y ambos eran del mismo estrato social. Bach permaneció siempre entre las ciudades y pueblo de Alemania central. En cambio, Haendel fue más aventurero y viajó desde muy joven. Esta circunstancia le dio la posibilidad de conocer gente y paisajes, permitiéndole cultivar un espíritu más cosmopolita, lo que puede apreciarse en su música.
Haendel amaba los grandes auditorios. En el principio de su carrera, viajó mucho por Italia, conoció a los grandes compositores de su época, como Corelli, a Scarlatti padre e hijo, y también a Vivaldi. Sin embargo, desarrolló su carrera de compositor en Londres, que por ese entonces tenía una vida teatral floreciente.>
En 1741, fue invitado a visitar Dublín, donde dio conciertos benéficos. Ahí se entregó a escribir obras nuevas, entre ellas, El Mesías a la que, según su propia denominación, llamó oratorio sacro.>
La primera interpretación de El Mesías tuvo lugar el 13 de abril de 1742. Fue una jornada de gran éxito en la que, con sentido teatral, se anunciaba el nacimiento de Cristo con trompetas y un coro de ángeles, y también se expresaba el típico espíritu dramático de las pasiones.>
Además, el público se emocionó ante la grandiosidad del fragmento más conocido: el Aleluya.>

BACH.
Su nombre real esm Johann Sebastian Bach,fué Compositor alemán,considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos y cuya primera mención documentada se remonta a 1561. Hijo de Johann Ambrosius, trompetista de la corte de Eisenach y director de la música de dicha ciudad, la música rodeó a Johann Sebastian Bach desde el principio de sus días.
A la muerte de su padre en 1695, se hizo cargo de él su hermano mayor, Johann Christoph, a la sazón organista de la iglesia de San Miguel de Ohrdruf. Bajo su dirección, el pequeño Bach se familiarizó rápidamente con los instrumentos de teclado, el órgano y el clave, de los que sería un consumado intérprete durante toda su vida.

Saxofón.

El Saxofón fue inventado alrededor de 1840 por Antoine-Joseph Sax (1814-1894), apodado Adolph Sax, nacido en Dinant (Bélgica); factor de instrumentos, como su padre, presenta su muevo instrumento al público por primera vez en agosto de 1841 (Saxofón Bajo), formando parte de la segunda exposición del Museo de la Industria de Bruselas. El 3 de febrero de 1844, Sax en persona interviene en la audición de la primera obra instrumental con saxofón; se trata de una transcripción que Berlioz hizo de su "Hymno Sacro", y que se interpretó en la sala Herz de París. A Berlioz, coetáneo y defensor de Sax, se le deben frases como: "El sonido de saxofón es tan dulce como un ángel". "El saxofón con respecto al clarinete -afirma Sax- es el Niágara del sonido". Pero hubo que esperar hasta el 21 de marzo de 1846 para patentar definitivamente el saxofón, en París.
A partir de 1845 el saxofón pasa a formar parte de las bandas de música militares de Francia, con lo cual comienza un largo e importante camino que se prolonga hasta hasta hoy, extendido desde hace ya años a las Bandas Sinfónicas, donde desempeña un extraordinario papel. Es también utilizado magistralmente como vehículo sonoro desde 1850, para expresar la atmósfera fascinante y exótica del Jazz, primero en América, y después hacia los años 20 del siglo XX en Europa. Sin embargo, no es frecuente encontrar al saxofón formando parte integrante de la Orquesta Sinfónica, a pesar de que autores como: Thomas, Massenet, Bizet, Meyerbeer, Ravel, Prokofief, Milhaud, Strauss y Gershwin entre otros lo emplearan en algunas de sus obras. Su desarrollo también se ha visto afectado por la falta de continuidad de su uso en Orquestas Sinfónicas y por un estancamiento en el progresivo proceso de aumento de empleo del instrumento por los compositores así como en la popularización del saxofón entre el público. El problema principal se reduce, a la falta de verdaderos especialistas de saxofón. Un saxofón tocado de forma erronea es contraproducente al aumento de su prestigio y popularidad. Las intervenciones del saxofón en la Orquesta sinfónica deberían de ser confiadas a saxofonistas de calidad, y no a clarinetistas que por muy buenos que sean, no dejan de ser clarinetistas.
Un panorama más brillante ofrece, sin duda alguna, el repertorio concertístico, en el que el saxofón es destinatario de conciertos, música de cámara y composiciones de diversa índole formal. Actualmente, el número de obras en las que interviene el saxofón como líder, sobrepasa las diez mil. Destacan compositores como: Debussy, Glazunov, Ibert, Arma Villa-Lobos, Jolivet, Husa, Koechlin, Denisov, Constant, Creston, Rivier, Martín, Milhaud, Webern, etc... España se ha incorporado recientemente a este capítulo; en tal sentido contamos con Halfter, De Pablo, Marco, Alís, Villarojo, Otero, Angulo y Arteaga entre otros.
Sería faltar a la realidad del saxofón, si no indicamos los nombres de aquellos saxofonistas que con más acierto han hecho del saxofón lo que es hoy. En música clásica destacan: Marcel Mule (considerado el inciador de la escuela clásica del saxofón), Sigurd Rascher, Jean-Marie Londeix, Celil Leeson, Daniel Deffayet y Donald Sinta entre otros. En Jazz destacan: Rudy Wiedoeft, Sidney Bechet, Charlie Parker, Coleman Hawkins, Paul Desmond, Stan Getz, Gerry Mulligan y el español Pedro Iturralde.

Genesis

Genesis es uno de los grupos de rock británicos más famosos. Creado a finales de los sesenta, ha mantenido una trayectoria exitosa hasta la década de los noventa.
Son originarios de Inglaterra, los adolescentes Peter Gabriel, Mike Rutherford, Anthony Phillips, Tony Banks y Chris Stewart comenzaron su camino musical en la escuela secundaria Charterhouse Godalming, componiendo sencillos para el joven productor Jonathan King. El nombre del grupo alude al Génesis, primer libro de la Biblia. Sus composiciones de ese breve período fueron lanzadas como su álbum debut From Genesis to Revelation (es decir, "desde el Génesis hasta el Apocalipsis") en 1969. Sin embargo, King no les trae ningún beneficio, por lo cual deciden abandonarlo.
Más tarde conocen a otro productor, Tony Stratton Smith, con el que graban su segundo álbum, Trespass, con John Mayhew a la batería. Una vez terminado el disco, Anthony Phillips decide abandonar el grupo por miedo escénico, que le impedía cumplir con las obligaciones de músico en las giras que realizaban, con él se va John Mayhew.
Para sustituir a Anthony Phillips y John Mayhew ingresan el baterista Phil Collins y el guitarrista Steve Hackett, cuya presencia contribuye a definir el sonido característico del grupo, como se aprecia en el siguiente álbum, Nursery Cryme. Comienza así un período en el que el aspecto teatral de sus actuaciones en vivo (cambios de vestuario, maquillaje y la particular interpretación de Gabriel como vocalista y showman) cobra tanta importancia como el musical, como puede observarse en la puesta en escena de temas tales como "The Musical Box". Las composiciones, especialmente "Supper's Ready" de Foxtrot, tienen la complejidad de las de otras bandas de rock progresivo.

Las letras también se volvieron más serias y los conciertos estaban saturados de efectos de video y sonido. Esta primera etapa se cierra con la edición de un disco en vivo, titulado Genesis Live, donde las tendencias teatrales quedan finalmente documentadas. El álbum Selling England by the Pound, si bien siguió esta misma línea, demostró una maduración extraordinaria de la banda lo que hizo que sea considerado por muchos el disco más representativo del período de Peter Gabriel en Genesis. Selling England by the Pound es el álbum más sofisticado del grupo.
No obstante, esta etapa no duraría mucho. El lanzamiento del ambicioso LP doble llamado The Lamb Lies Down on Broadway a finales de 1974 marcó la última participación de Gabriel en el grupo. En Agosto de 1975, al terminar la gira de presentación de este disco bisagra en la historia del rock mundial, Gabriel anunciaría, por motivos personales, el apartamiento de la conformación.
Ante rumores de separación definitiva se realizaron audiciones para reemplazar al cantante lo cual parecía una tarea destinada al fracaso. Sin embargo el grupo prefería que Collins tomara el rol de cantante, lo que venía haciendo satisfactoriamente durante algunos ensayos en esos tiempos. La banda regresó a los estudios como un cuarteto en Octubre de 1975 para comenzar su nuevo álbum. El resultado fue A Trick of the Tail, que llegó a ser número tres en Inglaterra y número 31 en Norteamérica (el mejor puesto conseguido por un álbum de Genesis hasta entonces). El éxito confundió completamente a los críticos que no podían concebir a Genesis sin Peter Gabriel. Este disco permite entrever la distinta orientación que la banda adoptaría en lo musical, precisamente más dirigida al éxito en lo comercial que a la revolución musical que de Trespass a The Lamb Lies Down on Broadway había producido. Para las presentaciones en vivo, el grupo contrató a un baterista, ya que Phil Collins debía cantar. Bill Bruford, ex-miembro de Yes y King Crimson, se unió al grupo para una parte de la gira. Después de eso, Chester Thompson tomó la tarea.
Hubo un gran cambio en su sonido en 1978, un Genesis reducido lanzó And Then There Were Three, con el que el grupo inicia una etapa mucho más comercial y si bien la banda todavia mantuvo al progresivo como estilo para este album, tambien ya se notaba una propuesta mucho mas accesible . De esta época destacan los álbumes Duke, (el cual se convirtió en su primer álbum número uno en Inglaterra mientras ascendía al puesto número 11 en Norteamérica), Genesis ,Abacab e Invisible Touch. De este último trabajo salen "Tonight, Tonight, Tonight", "Invisible Touch", "In Too Deep" y en particular el hit rockero "Land of Confusion", que además fue galardonado por tener uno de los mejores vídeos de ese año.
Ya en los últimos años sale We Can't Dance (1991), que continúa la línea del rock/pop con variados estilos característicos del grupo. Este álbum debutó como número uno en Inglaterra y alcanzó el número cuatro en Norteamérica. "No Son of Mine" y "Jesús He Knows Me" treparon con facilidad a los rankings mundiales, además de "Driving the Last Spike" y "Fading Lights", que mantiene su vieja línea sinfónica/progresiva. Este álbum es el trabajo más vendido de Genesis hasta la fecha.

Motete

Alcanza en el siglo XIV una organización racional y abstracta que parece tener poca relación con las solemnes circunstancias para las que es compuesto. Con frecuencia escrito a tres voces , a veces a cuatro en la segunda mitad del siglo, superpone a un tenor isorrítmico, generalmente instrumental, dos voces superiores, el motetus y el triplum, caracterizadas por la plurerextualidad y la variedad de sus ritmos.La cuarta voz, el contratenor, tambien instrumental, zizzaguea en torno al tenor y progresa con él en valores largos siguiendo la estructura colortalea.Esta estructura rítmica del motete, determinada por los taleae, puede aplicarse igualmente a las voces superiores y corresponderse con la forma estrófica del texto de estas últimas.
De este modo, a partir de un plan melódico y rítmico, nace poco a poco toda una organización basada en la forma y sostenida por la armonía y el ritmo. En consecuencia, si el motete es objeto de una recelosa vigilancia por parte de la iglesia, es porque los hombres que lo escriben rompen, por la libertad y autonomía que revelan, el orden social y la organización de un mundo controlado por ella. Los valores profanos invaden los valores sacros. La cultura de los clérigos se ha vuelto laica. Basta con citar las múltiples divisiones de las notas, la independencia de las partes superiores y su parentesco con las formas profanas del virelai y de la balada , la presencia de hoquetus, el empleo de textos profanos (en latín, en francés, o los dos juntos). en los motetes de Felipe de Vitry, y mejor aún, en los de Guillaume de Machault, encontraremos el modelo del género.
Felipe de Vitry (1291-1361) . Todos sus motetes, excepto uno, Gari selon nature, están en latín. Las dos voces superiores entrelazan sus melismos por encima de un tenor isorrítmico. Los motetes 7,11 y 14 en la edición de Leó Schrade toman un contratenor instrumental. La isorritmia puede ser ampliada parcialmente a dos o varias partes o,más brevemente a todas . El ritmo trocaico(larga/ breve) continúa siendo importante.
Vitry opta en sus motetes por adaptar al texto una linea melódica estilizada en lugar de traducir su contenido afectivo o expresivo. Este procedimiento , que favorece la contrución rítmica más que la prosodia, este predominio de la ciencia en detrimento del lirismo, rinde tributo , por otra parte, al estilo intelectual y escolástico.
Guillaume de Machaut (1300-1377). Aunque la articulación melódica de la música profana de Machault esponde más a la articulación sintáctica del texto, la preeminencia de la melodía tambien estelizada, sin embargo establece un equilibrio más afortunado entre el rigor y la expresión . Más próxima al texto por su aspecto melismático, la melodía se caracteriza sobre todo por su estructura métrica que sigue estrechamente la isorritmia. Por otra parte, la frecuencia de los hoquetus al final de la obra muestra perfectamente la voluntad de conceder a la estructura mayor cuidado.
De sus veintitres motetes, diecinueve son a tres voces y algunos ilustran la tendencia a introducir un contratenor dentro de la polifonia. Machault confirma la tendencia a lo profano; quince piezas llevan dos textos franceses diferentes, frente a sólo dos piezas con textos latinos y franceses superpuestos.
La isorritmia se sitúa en niveles muy profundos en el motete del siglo XIV : veinte motetes de Machault estan compuestos según la estructura rítmica y melódica, sin que a pesar de todo dependan totalmente de ésta. Lólo los motetes 4 y 13 están construidos isorrítmicamente en su integridad, Prueban, por tanto, que Machault no abusa de ningún sistema.
Más elaborado todavía , el procedimiento de isoperiodicidad del tenor con disminución de los valores se practica en diez obras. Todos estos procedimientos empleados por Machault revelan la importancia que ha adquirido la parte vocal superior sin duda por la influencia de la cantinela en detrimento del tenor. Otra innovación que encontramos en Machault : las entradas sucesivas de las voces.

Melendi

Evolución de la Notación Musical.

Es obvio que no siempre se pudo escribir música, lo que hoy conocemos como la música de los tiempos del Imperio Romano, o de los egipcios... no son más que suposiciones basadas en los instrumentos musicales que se conservan de la época y las notas que podian emitir y teorias sobre la evolución de la música popular en esos paises. Los sistemas para plasmar la música en papel comienzan a desarrollarse de forma notable durante la Edad Media, aunque ya existian precedentes de escritura musical de la época de la Grecia clásica.

Asi aparece el sistema neumático, que se basaba en dibujar los signos a mayor altura cuanto más agudos y a menor cuanto más graves, la inexactitud de este metodo forzó la aparición de una linea de referencia que representaba una determinada nota y las demás se situaban a mayor o menor distancia en relación a esta.
El principal valedor de este sistema fue el monje italiano Guido de Arezzo, que vivió en el siglo XI e introdujo cuatro lineas en lugar de una, además, fue quien dio nombre a las notas musicales, tomando las primeras sílabas de la letra de un himno religioso muy popular en la época.
En el siglo XVI se añadio la sílaba "si" para dicha nota y en a partir del XVIII se sustituirá "ut" por "do" y se añade una quinta linea, quedando fijada de esta forma la notación musical (pentagrama significa cinco lineas en griego).

La nomenclatura de las notas que convive con esta en la actualidad y que se usa principalmente en los paises anglosajones es el sistema alfabético, en el que:

A=La, B=Si, C=Do, D=Re, E=Mi, F=Fa y G=Sol

aparecio igualmente durante la Edad Media y se añadian pares de letras para ir marcando las diferentes octavas (algo ya en desuso).

Crítica sobre GREASE.

Grease es una película musical inspirada en los años 50, rodada en 1978 en Estados Unidos bajo la dirección de Randal Kleiser.Fue la película que lanzó al estrellato a Olivia Newton-John y que ayudó a consolidar el suyo a John Travolta.
La trama trata de Sandy y Danny, que se conocieron en las vacaciones de verano y deciden despedirse pensando que no se van a volver a ver, pero por sorpresa se vuelven a encontrar en la nueva escuela donde ella ha ingresado. Pero Danny no puede estar con ella debido a que tiene una reputación de tipo duro que mantener, así que Sandy planea cambiar para estar con él.
Esta pelicula-musical es muy famosa entre gente de cualquier edad, nunca se cansa de ver esta película y tiene una muy buena banda sonora, es excelente.
Es reconmedable ver esta película, ya que pasaras un momento muy entretenido.

Música

Yo solo quiero, de Pereza



Como un perro ladrando, de el Canto de el Loco



If Were a Boy, de Beyonce