The Rolling Stones

La historia musical de los Rolling Stones comienza en 1960, cuando Mick Jagger y Keith Richards, dos viejos compañeros de estudios, comienzan a compartir su pasión por la música y el rythm & blues. Al año siguiente crearon un grupo, 'Little Boy Blue & Blue Boys, junto a Jack Taylor.
En 1962 conocen a Brian Jones. Este se une al grupo de Richards, Jagger y compañía y deciden renombrar el grupo. El nuevo nombre elegido: 'The Rolling Stones', estaba inspirado en un viejo tema de Muddy Waters, 'Rolling Stones Blues'. Pronto se incorporó Charlie Watts, junto al pianista Ian Stewart.
Ese mismo año Bill Wyman sustituye a Taylor y en 1963 lanzan su primer sencillo, 'Come On', una versión de una canción de Chuck Berry. Por aquél entonces sólo se dedicaban a realizar versiones de temas conocidos. Ese año realizan su primera gira por Gran Bretaña.
En 1964 publican el primer álbum, 'The Rolling Stones', el cual sólo disponía de una canción creada íntegramente por los Rolling Stones. El resto eran versiones de otros artistas. Pero no se limitaban a versionear. El fuerte ritmo que imprimen a los temas y la agresividad que adoptan en sus intrumentos les confiere un aire propiamente suyo. Realizan dos giras por Estados Unidos y aparecen en el show de Ed Sullivan.
Fuera del escenario los expertos de marketing querían darles a conocer como los chicos malos del pop/rock, en contraposición con los Beatles, que podrían ser considerados los chicos buenos.
Así, eran constantes los escándalos en que se veían salpicados. Unas veces eran detenidos por orinar en público, otras por posesión de drogas y así uno tras otro.
En enero de 1965 salió su segundo disco, 'Rolling Stones 2', para el que tomaron influencias de la música negra americana, principalmente de soul.
Por aquel entonces comenzaron a plantearse que, si querían mantenerse en la cima en el mundo de la música tendrían que aportar su granito de arena y demostrar su capacidad creativa. Por ello, su manager les encerró varios días en un hotel para que trabajaran en la elaboración de temas nuevos e inéditos. De allí salieron algunos de sus mayores éxitos. A pesar de ello, su nuevo álbum 'Out Of Our Heads', seguía manteniendo un buen número de versiones, reservándose los nuevos temas para discos posteriores.
En 1966 lanzan al mercado 'Aftermath', compuesto completamente por temas suyos, abandonando las versiones de la música soul americana y los sonidos negros, y siendo considerado como uno de sus mejores discos.
En 1967 sacaron 'Between The Buttoms', que se vio salpicado por el escándalo en torno a la detención de Jagger y Richards por posesión de droga. Los temas del disco coincidían con el de la detención, al tratar en asunto de las drogas en varias de las canciones.
Con el Lp 'Their Satanic Magesties Request' se llevaron uno de sus grandes fracasos. Intentaron imitar el 'Sgt. Peppers' de los Beatles, pero la crítica les acusó de seguir la estela del otro grupo británico.
En 1968 aparece un nuevo disco de los Rolling Stones, titulado 'Beggars Banquet', que supuso la vuelta a la esencia de los Rolling. Una portada provocativa que fue censurada por su propia compañía y que al final apareció totalmente en blanco fue el principio. La continuación, unos temas provocativos que hablaban de luchas, de sensualidad y un recordatorio de la música negra.
En 1969 Brian Jones fue encontrado muerto en su casa, víctima de las drogas. Al grupo se unió Mick Taylor. Este hecho fue seguido por la publicación de un nuevo disco, 'Let It Bleed', una réplica irónica al 'Let it Be' de los Beatles, en un momento en que el grupo de Liverpool rumiaba su disolución. Este disco les encarama definitivamente en la cima del rock mundial.
En 1971 editan 'Brown Sugar', el primero con su propio sello discográfico y 'Sticky Fingers', el primero en que utilizan un diseño de Andy Warhol de unos labios como sello del grupo. Este último disco está considerado como uno de los grandes de los Rolling por su calidad instrumental. Con el fin de ahorrarse impuestos los Stones deciden trasladar sus cuentas a Francia.
En 1972 publican un doble disco, 'Exile On Main Street', un disco de gran calidad y muy ambicioso. Pretendía ser el portal de entrada para una gran gira por Estados Unidos y había que cautivar al público. Fue número uno en Inglaterra y en USA.
La década de los setenta avanzaba y los Rolling Stones continuaban sacando discos, alternando calidades. Así, en 1973 publicaban 'Goats Head Soup' y en 1974 'It's Only Rock'n Roll', para cuya promoción llenaron las calles de Londres de pintadas que decían 'Es sólo rock and roll'. Fue el último disco de Mick Taylor en la banda, que fue sustituído por Ron Wood. Tambien editaron un álbum en directo, 'Love You Live'.
Hasta 1978 no sacaron su siguiente disco de estudio, 'Some Girls', considerado por la crítica como uno de sus mejores discos.
La década de los ochenta comenzó con la firma de un supermillonario contrato de los Rolling Stones con la CBS, el mayor hasta ese momento. Por él, los Stones recibirían varios millones de dólares por cada disco publicado. Fruto del acuerdo fueron discos como 'Emotional Rescue', seguido de 'Tattoo You' en 1981, 'Stiff Life' en 1982, 'Undercover' en 1983 y 'Dirty Work' en 1986.
El disco que elevó la calidad media de la década fue 'Steel Wheels', de 1989, en el que basaron una nueva macrogira mundial y un nuevo álbum en vivo basado en dicha gira, 'Flashpoint'.
En 1990 realizan una gira por Japón y Europa, en la que fueron seguidos por más de dos millones de espectadores y generando unos ingresos cercanos a los doscientos millones de dólares.
En 1994 publican un nuevo disco, 'Voodoo Lounge' y un año después sacan a la luz 'Rock And Roll Circus', grabado en 1968 y que nunca había sido publicado.
En 1995 editan 'Stripped' y en 1997 'Bridges To Babylon'. Por fin, en 2005, aparece un nuevo álbum de los Rolling Stones, titulado 'A bigger bang'. Se trata de una ambiciosa y muy diversa colección de canciones de rock y blues con mucha fuerza y contundencia. Con una relación de 16 temas, es el álbum con temas nuevos más largo de la banda desde el 'Exile on Main Street' de 1972. El título refleja su fascinación por la teoría científica sobre el origen del Universo.

Tom Waits

Nacido en Pomona, California el 7 de diciembre de 1949 es un pianista, cantante, compositor y actor estadounidense, famoso por sus canciones de tono áspero, inspiradas en escritores como Charles Bukowski y otros de la generación Beat, en especial Jack Kerouac.
En 1967 comenzó a trabajar en los cabarés de Los Ángeles, ambiente que le influyó mucho para las canciones de su primer disco, Closing Time (1973), aunque este álbum se vio eclipsado por The Eagles y Tim Buckley, pero fue con el álbum Heart of Saturday Night (1974) el que dio a conocer su personal estilo. Más tarde en 1975 con el disco en directo Nighthawks at the Diner combina canciones muy personales (entre ellas Better off without a wife) con entretenidos monólogos introductorios.

Tras Small Change (1976), sus siguientes discos no consiguieron situarse en las listas de éxitos. En esos años interpretó pequeños papeles en películas como La cocina del infierno (1978, de Sylvester Stallone) o Corazonada (1981, de Francis Ford Coppola), para la que también compuso la música.

Volvió a las listas de ventas en la década de 1980 con Swordfishtrombones (1983), Rain Dogs (1985) y Frank’s Wild Years (1987), discos en los que confluyeron una gran variedad de estilos desde el blues hasta el tango, que dieron a sus canciones una atmósfera especial que le aseguró el éxito de ventas y la aceptación del gran público. También participó en películas como Bajo el peso de la ley (1986, de Jim Jarmusch), Drácula (1992, de Coppola) y Vidas cruzadas (1993, de Robert Altman) con papeles de más importancia que en sus anteriores incursiones en el cine. Asimismo, compuso la música de la película Noche en la Tierra (1991, de Jim Jarmusch) y al año siguiente, graba Bone Machine (1992). Un año más tarde colaboró con William S. Burroughs en la ópera cómica de carácter siniestro The Black Rider. El 2002 fue un año especialmente prolífico con la publicación de dos discos: Alice y Blood Money.

Más recientemente, en octubre de 2004, publicaría Real Gone uno de los discos más representativos hasta la fecha de esa particular mezcolanza caracaterística de Tom Waits. Y el último trabajo de Waits, un triple álbum, se publica en 2006 con el nombre de Orphans.

Aparece junto a Iggy Pop en la película de Jim Jarmusch Coffee and Cigarettes (2003)

En 2005 aparece cantando en el sueño de Atilio que da pie a toda la película El tigre y la nieve.

El 12 de julio de 2008 actúa por primera vez en España, concretamente en el Kursaal de San Sebastián.

Bruce Spiringsteen

Bruce Springsteen, nació el 23 de septiembre de 1949 en Freehold, una pequeña localidad de New Jersey, de padre irlandés y madre italiana.

Tras ver a Elvis Presley en un programa de televisión, se sintió atraído por el mundo de la música y se compró una guitarra.

Bruce Springsteen, junto a Tex Vinyard y George Theiss, crea en 1965 el grupo 'The Castiles', al estilo de los Beatles. El grupo tuvo gran acogida en el pueblo, pero fuera de él fue un fracaso.

Tres años después crea el grupo 'Earth', que acabó por convertirse en 'Steel Mill'. En 1969 este grupo también se separa y poco después se crea la 'Bruce Springsteen Band', con la que consigue su primer contrato.

En enero de 1973 publica su primer álbum, 'Greetings From Asbury Park' y a continuación el segundo, 'The Wild, The Innocent & The E Street Shuffle'.

No fue hasta su tercer álbum, 'Born To Run', cuando Bruce Springsteen obtuvo el reconocimiento a su calidad artística. Sus canciones de rock clásico, ligadas lejanamente con el folk y el country, desprenden la rebeldía propia de este tipo de música, algo que el público echaba de menos.

Bruce Springsteen (conocido también como The Boss) continuó publicando discos: 'Darkness On The Edge Of Town', en 1978 y 'The River', un doble LP con el que consiguió su primer número uno.

Tras este disco se inició una gira por todo el mundo, al término de la cual sorprendió a todo el mundo con un disco grabado con un magnetófono casero. El título, 'Nebraska'.

En 1984 lanza su mayor éxito de ventas: 'Born In The U.S.A.' , que permaneció siete semanas seguidas como número uno. En uno de los temas, el que da título al álbum, el Boss critica las miserias de su país.

Posteriormente publicó 'Dancing In The Dark' y el famoso 'Live 1975-1985', un recopilatorio de 5 discos en directo con sus mejores canciones.

En 1995 Bruce Springsteen publica 'The Ghost Of Tom Joad'. Se trata de álbum que recuerda a 'Nebraska', al utilizar una técnica parca en arreglos.

En el año 2002, publica un nuevo trabajo, titulado 'The Rising', primer lanzamiento desde 1984 de un álbum completo de nuevas canciones grabadas con la E. Street Band, y el primer álbum de rock de estudio desde 1992. El álbum fue producido por Brendan O'Brien y contenía 14 temas nuevos y una versión del tema "My City Of Ruins".

En 2006, el 'Boss' se inspira en la leyenda de Pete Seeger para publicar un nuevo trabajo, titulado "We Shall Overcome - Seeger Sessions", en el que reivindica la canción protesta y la música folk. Se trata del álbum número 21 en la carrera de Bruce Springsteen y un trabajo muy especial para el artista, en el que demuestra su coherencia, compromiso e independencia. A sus 55 años, Bruce Springsteen recupera la música que marcó su juventud, la más comprometida, la más solidaria, la más popular. El álbum incluye un DVD con 30 minutos de imágenes de la grabación del disco en riguroso directo mezclado con comentarios del propio artista.

En 2007 Bruce Springsteen vuelva a reunirse con su banda de siempre, la E Street Band, con la que hacía 5 años que no grababa nada. El resultado es el álbum titulado "Magic". Producido y mezclado por Brendan O’Brien, 'Magic' recoge once nuevas canciones con rock de alta energía.

En 2009 Bruce Springsteen publica "Working On A Dream", un álbum grabado con la E Street Band y que contiene 13 temas inéditos más un DVD que incluye imágenes tomadas en el estudio durante la grabación de siete de esos temas. También incluye un extra titulado "A Night With The Jersey Devil". "Working on a Dream" es, según cuenta el propio Springsteen, un álbum 'alegre y variado', grabado al viejo estilo "Born To Run", con muchas primeras tomas, base de guitarra, bajo, batería y teclados con la E Street Band para añadir después la voz o algunos detalles. Canciones como "Working on a Dream", "My Lucky Day" o "The Wrestler" nacen con vocación de convertirse en clásicos del repertorio de Bruce Springsteen. Este último tema, "The Wrestler", ha recibido el Glodo de Oro a la Mejor Canción Original de Banda Sonora.

El rock progresivo sufre la ausencia de una definición clara. Se considera "progresivo" todo el rock que desde los años setenta (concretamente desde finales de los años sesenta) buscaba nuevas metas artísticas. Se relativiza el valor del rock, poniendo en cuestión no sólo las metas, sino también la calidad musical. Así nace un movimiento espontáneo a partir de 1968 (año revolucionario en el Mundo) en pequeñas, desordenadas y aisladas manifestaciones que luego fueron más masivas y con éxito popular. Al principio fue una fusión del rock con la música clásica, debido a la alta formación musical de estos compositores. Pero sus orígenes están en el rock psicodélico de los sesenta, con Pink Floyd como gran ejemplo. Pink Floyd se fue haciendo cada vez más serio después de la salida de Syd Barret a principios de 1968 (Barret había sido su líder al principio). Muchos pensaron que sin Barret el grupo estaba muerto, ya que él había sido su compositor principal, y gracias a su extravagante personalidad el primer álbum del grupo, Piper at the Gates of Dawn (1967), se convirtió en uno de los mejores álbumes de rock sicodélico. Mientras que el éxito comercial les llegó con Dark Side of the Moon (1973), el cual sigue siendo uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos, Piper at the Gates of Dawn fue uno de sus álbumes más innovadores.

Otros grupos británicos clave de finales de los 60s fueron: The Soft Machine, quienes incorporaban jazz y dadaísmo en su rock pesado sicodélico; Procol Harum, cuyas melodías tenían mucha influencia clásica; The Nice, que se destacaba por su virtuoso tecladista Keith Emerson; The Pretty Things, cuya ópera-rock S.F. Sorrow precedió por un año a Tommy de The Who; y Jethro Tull, cuyas largas epopeyas musicales tenían mucha influencia de la música folklórica inglesa. Pero fue The Moody Blues el primer grupo que combinó el rock con la música clásica sinfónica en su álbum Days of Future Passed de 1967 . Lo que empezó siendo un pop de calidad dio lugar a la base del movimiento posterior.

Sin embargo es en 1969 cuando este género se desarrolla al salir a la luz diversos álbumes de grupos pioneros como King Crimson, YES o Genesis. Hay confusión al querer subdividir el género en otros subgéneros. Lo cierto es que todos tienen en común la búsqueda de nuevas metas artísticas, por lo que el "rock progresivo" es una denominación genérica acertada.

Pero aunque sólo fuera comienzos de 1970, habían marcadas subdivisiones dentro de la escuela del rock progresivo. Muchos de los grupos más respetados por los críticos se agruparon bajo la bandera del sonido Canterbury; encabezados por The Soft Machine, estos también incluían a Caravan, Hatfield & The North, y derivados de The Soft Machine como Matching Mole, Gong y los trabajos solistas de Robert Wyatt y Kevin Ayers. La música que estos grupos hacían era más ligera que la de los exponentes más exitosos del género, y también tenían muchas veces un sentido del humor que los grupos famosos no estaban dispuestos a mostrar.

Más conceptualemente hablando, dentro del género progresivo se subscriben varios estilos o tendencias. Se habla de "rock sinfónico" cuando la estructura musical o bien la instrumentación es polifónica u orquestal. El rock sinfónico se acerca a la concepción de la música clásica y todos los músicos de este estilo están influídos por los genios clásicos.

El "rock psicodélico" es el "padre" del progresivo, pues en los años sesenta y en plena efervescencia del fenómeno hippy, surge esta tendencia onírica, de composición caótica, caracterizada por la experimentación y la improvisación (ayudada por la ingestión de drogas alucinógenas) y de extravagante sonido.
Pero como antes se indicaba, es en el período que va de 1968 a 1970 cuando se configuran unas formaciones musicales que cambian el panoráma artístico. Es la aparición del fenómeno King Crimson lo que verdaderamente impulsa al género. Aunque la crítica no duda en que los Crimson -y concretamente su líder Robert Fripp- son los pioneros efectivos reales, se acepta que el fenómeno progresivo se debe a la acción de varios grupos. King Crimson, YES y Genesis, principalmente, son los que abanderan en esa época la novedad.

En pleno éxito de masas del rock, que ya había evolucionado del pop de los sesenta, tiene lugar un hecho significativo que marca el nacimiento del género. Por qué no citar como verdadera mecha la actuación de King Crimson en directo como teloneros de los Rolling Stones. En dicho concierto, el público quedó anonadado, estupefacto y maravillado al mismo tiempo al escuchar cómo unos desconocidos que hacían de teloneros de los "rockers" Stones, estaban revolucionando la música. Esos espectadores fueron los que presenciaron el momento clave. El primer disco de King Crimson ve la luz -tras un anterior disco de sus integrantes, aún sin rumbo- en 1969. El álbum In the Court of the Crimson King llega a ser un éxito de ventas a través del boca a boca, sin ayuda publicitaria.

Durante la década de los años 70, los nuevos progresos tecnológicos y la aparición de nuevos instrumentos como el mellotron y los sintetizadores abrieron nuevas posibilidades a los grupos de rock. En esta época nacieron bandas como Camel, Focus... con una visión más sinfónica y con los antecedentes ya creados.

Impulsados por el éxito de Crimson, los demás grupos que tenían una visión semejante hacia dónde debían ir las metas artístico-musicales comienzan a saborear también la gloria. Son los tiempos de Emerson, Lake & Palmer, Genesis, YES... y muchos más, que nunca sonaron como en esta época, sin aspiraciones comerciales.

Mientras que la música de Pink Floyd era más austera, las de otros grupos como Emerson, Lake & Palmer, Yes, Jethro Tull y Genesis solía estar cargada de partes instrumentales difíciles que ejecutaban músicos virtuosos como Steve Howe, Rick Wakeman y Keith Emerson, pero esta pomposidad les impedía escribir canciones que pudieran gustar a un público grande.

Cuando los críticos de esta época se dignaban a analizar el rock progresivo se emocionaban mucho con Roxy Music, cuya música era una especie de pop irónico que Brian Eno sazonaba con ráfagas de sintetizador. Brian Eno, después de un corto período con Roxy Music, se salió para seguir una carrera de solista e hizo grabaciones instrumentales cada vez más abstractas, las cuales iban desde el rock progresivo más respetable hasta las grabaciones de rock más vanguardistas de todos los tiempos; sin embargo, Eno dejó el rock totalmente a finales de los 70s, pero siguió trabajando como productor con muchos músicos de rock.
Después vino un rock progresivo que era más que todo intrumental. No es sorprendente que muchos de los grupos provinieran del continente europeo, y que emplearan el formato instrumental como un modo de salvar el obstáculo del inglés, la lengua franca de la música popular. Kraftwerk de Alemania tuvo con Autobahn un sorpresivo álbum en el Top 10; sus funestas texturas electrónicas, así como las de otros grupos alemanes como Can, Amon Duul, Faust y Tangerine Dream dieron nacimiento a la escuela del "Kraut Rock" (denominada así por Virgin Records, que fue la que lanzó dichos grupos al mercado internacional), y muchos años más tarde tuvieron una influencia considerable en los grupos de New Wave. Focus de Holanda, que se destacaba por su virtuoso guitarrista Jan Akkerman, Vangelis de Grecia, y P.F.M. de Italia también tuvieron despliegue internacional. Y en el Reino Unido Mike Oldfield (quien había tocado guitarra con Kevin Ayers) tuvo un enorme éxito internacional con su instrumental Tubular Bells.
Los 70's es la época de oro, pero prontamente el movimiento decáe hasta llegar casi a su desaparición. Son tiempos del punk, la música popular por entonces exitosa. Las principales bandas se disuelven: King Crimson en 1975, tras entrar en el mito. Genesis ve cómo su líder, Peter Gabriel, se marcha en ese mismo año. Su música se tiñe de comercialismo de manos de Phill Collins hasta ser música pop. Grupos como Electric Light Orchestra, Boston, Foreigner, Journey, Asia, Kansas y Supertramp se hicieron muy populares incorporándole a su pop/rock las cualidades más llamativas del rock progresivo. YES, Camel, Atomic Rooster, Pink Floyd sufren diferentes rupturas. La existencia de muchas bandas se eclipsa con la presencia y la obra de estos grupos clave en el género. Es una elite dentro de una propia elite. Lo que es discutible es si esa elite es exclusivista y excluyente. Lo cierto es que no hay que tener una gran formación cultural para entender la música de estos genios, sino una predisposicón, una actitud y un gusto artístico que pocos tienen.
En los ochenta, con nuevas dudas y la efervescencia de la música techno y el pop electrónico, surge la necesidad de cambiarlo todo. Los regresos de King Crimson, YES, Camel.. son más que discutibles. Su calidad decáe estrepitosamente hasta caer en un vulgar "pop progresivo". El sintetizador se erige como máquina demoníaca que lo cambia todo para mal. Sin embargo sugen bandas como Marillion, con Fish a la cabeza, compositor grandioso que con cuatro discos de estudio con la formación cambia la escena musical. Es el verdadero salvador del género y pocos grupos están a su altura por entonces.

Camel hace un giro y también cae en la música electrónica comercial de YES o los propios Crimson. Éstos últimos habían comenzado de nuevo: Fripp reunió a Bruford y a dos nuevos integrantes. Tony Levin y Andrian Belew, siendo el germen de una mágnifica época años después. Pink Floyd se gana el protagonismo mundial, aún saboreando las mieles del éxito de su The Wall.
Los años noventa no se presentaron con buenas sensaciones por el género. Regresaron YES con el disco de significativo título Union. King Crimson vuelve para ahora sí revitalizarse y reinventarse. Camel y otros siguen con fuerza, como Pink Floyd. Pero pasado tanto tiempo desde esos sesenta y setenta, las ideas nuevas y las mentes frescas las traen las nuevas generaciones, como es lógico.

Esta nueva ebullición de ideas llega a ser también un fenómeno comercial gracias al género del "metal-progresivo" que, con grupos como los americanos "Dream Theater" o "Symphony X", influidos por la agresividad del hard rock de los ochenta, se convierte en un movimiento de éxito internacional, así como grupos como "Radiohead" o "Tool", que basan su música en la experimentación, son también hoy reconocidos en todo el mundo. Pero lo más relevante es que estos grupos, junto con otros como "The Flower Kings", "Arena", "Transatlantic", "Ozric Tentacles" o "Spock's beard" (que en la actualidad hacen numerosas giras por toda América y Europa), son sólo la parte comercialmente más visible de todo un movimiento musical que cuenta con centenares de bandas en todo el mundo, desde los Estados Unidos hasta Indonesia, que aportan hoy algunas de las propuestas más originales y que interesan a un público amplio y heterogéneo formado tanto por amantes del rock duro, como de la música tradicional, del jazz, del techno, etc., y, en definitiva, de la música en general.


Ejemplos de música:

Van Morrison.

ES más conocido como Van Morrison, es un cantante, compositor y músico norirlandés, con gran dominio de instrumentos como la armónica, la guitarra, el saxofón y el piano. Debido a su característica voz y al mestizaje de la música folk, blues, country y gospel que frecuentemente realiza en sus canciones, Morrison es ampliamente considerado uno de los cantantes y músicos más influyentes de la música contemporánea.[1] [2] [3] En ese aspecto, el crítico musical Greil Marcus llegó a decir que "ningún hombre blanco canta como Van Morrison".
Conocido como Van the Man por sus seguidores, Morrison comenzó su carrera como cantante del grupo Them. Unos años más tarde, Morrison abandonó el grupo para iniciar una carrera en solitario.[2]
Con el paso de los años, Van Morrison ha conseguido un registro musical muy propio. Gran parte de su música está estructurada en torno a las convenciones del soul americano y del R&B, visibles en los temas "Brown Eyed Girl", "Moondance", "Into the Mystic", "Domino" y "Wild Night". Otra parte de su catálogo se compone de etapas musicales inspiradas en la tradición celta, en el jazz y en el monólogo interior, como ocurre en los álbumes Astral Weeks, Veedon Fleece y Common One. Ambas partes son denominadas conjuntamente como "Celtic Soul".

La carrera musical de Morrison, que abarca cinco décadas, ha influenciado a numerosos artistas musicales. Fue elegido para el Salón de la Fama del Rock en 1993 y para el Salón de la Fama de los Compositores en 2003. En el año 2000, Morrison quedó clasificado en la vigesimoquinta posición de la lista de los cien mejores artistas de rock'n'roll, realizada por la cadena de televisión VH1, y en 2004, la revista musical Rolling Stone estableció a Van Morrison en el puesto 42 de la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempo

Edvar Greig.

Compositor noruego. Fue el más importante de su país durante el siglo XIX. Nació en Bergen el 15 de junio de 1843. Estudió piano con su madre, pianista profesional, y más tarde en el conservatorio de Leipzig. Fue el compositor danés Niels Gade quien le animó en la labor de componer. El noruego Rikard Nordraak despertó su interés por la música folclórica noruega. Con él, dijo, "aprendí a conocer los cantos del norte y mi propia naturaleza". Entre 1866 y 1876 Grieg vivió en Cristianía (hoy día Oslo), donde fue profesor de música y director de la Sociedad Filarmónica. En 1867 contrajo matrimonio con su prima, la soprano Nina Hagerup. Su defensa de la escuela basada en la música folclórica noruega originó el enfrentamiento con músicos conservadores y críticos, por lo que sus propias obras tardaron en ser apreciadas.
El primer músico de talla internacional que alabó su trabajo fue el compositor húngaro Franz Liszt. En 1874 el gobierno noruego le concedió un salario anual que le permitió dedicarse por entero a la composición. Se hizo famoso por su música incidental para el drama poético Peer Gynt (1875), de Henrik Ibsen. En 1885 se aisló en un estudio de Lofthus y en 1885 mandó construir la villa Troldhaugen, cerca de Bergen, donde vivió el resto de sus días. Murió el 4 de septiembre de 1907.
Aunque su música está influida por la de los compositores románticos, especialmente Robert Schumann y Frédéric Chopin, Grieg adaptó sus propias melodías basándose en el estilo del folclore noruego y fue el maestro de los fundamentos armónicos que evocan la atmósfera de su tierra. De su producción musical destacan Heridas de corazón, La última primavera (inspiradas en un poema noruego), y la suite En tiempos de Holberg, para orquesta de cuerda; El retorno al país y Olav Trygvason, para coro y orquesta, un cuarteto de cuerda y numerosas obras para piano, entre ellas una balada en sol menor y el famoso Concierto para piano y orquesta en la menor. Sus canciones han tenido una especial difusión.

La Zarzuela.

La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas. Se diferencia de la ópera en que la zarzuela está cantada en español, e incluye partes habladas en lugar de los recitativos cantados de la ópera. Se cultivó también en Cuba y Venezuela, donde destacaron los compositores Ernesto Lecuona y José Ángel Montero respectivamente.
Parece que los primeros autores que aportaron su genio a este nuevo estilo de teatro musical fueron Lope de Vega y Calderón de la Barca. Según las investigaciones, Calderón es el primer dramaturgo que adopta el término de zarzuela para una obra suya titulada El golfo de las sirenas (1657).[[Archivo:

Luigi Boccherini

Compositor italiano conocido por sus obras de música de cámara y por haber sido uno de los primeros grandes virtuosos del violonchelo. Nació en Lucca y estudió primero en su ciudad y luego en Roma. Formó parte de la orquesta del compositor italiano Giovanni Battista Sammartini durante un corto periodo de tiempo. Más tarde trabajó como compositor en las cortes de España y Prusia. En 1769 se estableció en Madrid como compositore e virtuoso di camera de don Luis, infante de España. La mayor parte de sus más de 350 obras son tríos, cuartetos y quintetos para cuerda, y están marcadas por la elegancia y el refinamiento del estilo postbarroco que dominaba en su tiempo.
El violonchelo es el instrumento principal en muchas de sus composiciones. Entre todos sus quintetos, el que está en la tonalidad de mi mayor (opus 13 nº 5; también numerado como opus 11), es famoso por su minué. Entre las obras para violonchelo destacan las 6 sonatas para chelo y bajo continuo y los 4 conciertos. Compuso un Stabat Mater, cantatas, 2 óperas y una misa. Boccherini murió en Madrid en la mayor miseria pues, protegido inicialmente por el infante Luis, a la muerte de éste no había conseguido el favor de Carlos IV y paulatinamente había ido deteriorándose su situación material.

Jazz su origen y evolución.

El jazz es un tipo de música difícil de definir, puesto que en la mayor parte de los casos su estudio teórico se ha abordado desde los principios de la música clásica por musicólogos europeos y el jazz se resiste a ser abordado desde fuera de su propio universo.
El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo.
Las raíces. El jazz es el fruto del encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un escenario preciso, Estados Unidos, a raíz de la llegada de los esclavos negros desde principios del siglo XVII.En el siglo XIX, la religión cristiana (sobre todo las iglesias baptista y metodista) fue impuesta a muchos de estos esclavos, que encontraron en los textos del Antiguo Testamento numerosas analogías aplicables a su propia situación y en las corales una forma de expresión musical.Con el paso del tiempo esos salmos teñidos de tradición africana darían lugar a lo que se conoce como GOSPELL, canto religioso que adopta formas diversas: la prédica del pastor, los grupos vocales y gran número de solistas especialmente femeninas.La música religiosa convivía con la profana: canciones de plantación, baladas, y otras formas de expresión popular, tanto africanas como europeas, que alimentarían uno de los grandes pilares de la música afroamericana, el BLUES. Si nos atenemos a criterios musicales el blues es una estructura de doce compases, que utiliza las llamadas “blue notes”, alteraciones de la tercera y séptima notas de la escala, pero el blues es mucho más, hay quien lo traduce por tristeza, aunque es más acertado la definición de los propios cantantes de blues: “Blues is a feeling”, es una sensación, un sentimiento. Por otro lado surge en Saint Louis hacia 1870 un estilo pianístico, que sin llegar a ser jazz se acerca mucho por su carácter dinámico y saltarín, es el RAGTIME, su característica principal es la superposición de un ritmo regular tocado por la mano izquierda y un ritmo sincopado que va haciendo la mano derecha, a veces también utiliza las “blue notes”. Su origen parece ser que está en las danzas que bailaban los esclavos parodiando a sus amos. Las partituras de ragtime se grababan en “rollos de cartón” para piano mecánico o pianola y su músico más representativo fue Scott Joplin.
El nacimiento del jazz se pierde en esa confluencia de formas y estilos musicales de la cultura afroamericana que se produce a finales del siglo XIX: el gospell, el blues, el ragtime, las marchas militares, la música de baile europea....Toda esta mezcla creará el transfondo sobre el que Jerry Roll Morton se permitiría autoproclamarse “inventor del jazz”.
Buddy Bolden parece haber sido el artífice de las primeras bandas de jazz, pero su música se ha perdido, ya que la primera grabación de una banda de jazz se realizó en 1.917, grabándose a un grupo de músicos blancos: The Original Dixieland Jazz, pasando posteriormente el término dixieland a definir el estilo Nueva Orleáns interpretado por músicos blancos.

Después aparecieron en 1.922 los New Orleáns Rhythm Kings y en 1.923 la Creole Jazz Band, pero el músico más influyente del estilo de Nueva Orleáns fue Luis Armstrong.

El primer auténtico virtuoso del Jazz, Armstrong, fue un sorprendente improvisador, tanto en el plano técnico como en el emocional e intelectual. Cambió el formato del jazz y puso al solista al frente de la orquesta.

Los grupos con los que grabó, los Hot Five y los Hot Seven, demostraron que la improvisación podía ser mucho más que una simple ornamentación de la melodía inicial. También creó escuela para todos los cantantes de jazz posteriores, no sólo en la manera de alterar las palabras y la melodía de las canciones, si no también al improvisar sin palabras, usando la voz como un instrumento (técnica denominada scat singing).

Para el jazz, la década de 1.920 fue una época de gran experimentación y numerosos descubrimientos. Muchos músicos de Nueva Orleáns, incluido Armstrong emigraron a Chicago, allí crearon un estilo identificable que acentuaba la actuación de los solistas y añadía frecuentemente el saxofón a la orquestación, con ritmos más tensos y texturas más complejas. En Chicago trabajaba Bix Beiderbecke, cuyo lirismo como cornetista era el contrapunto del estilo de Armstrong.

Muchos de ls músicos de Chicago se establecerían luego en la ciudad de Nueva York, otro centro de jazz en la década de 1.920.

Otro elemento importante en la evolución del jazz de los años veinte fue la música para piano. El distrito de Harlem, en la ciudad de Nueva York se convirtió en el centro de un estilo muy técnico, con improvisaciones muy extensas y que se conocería como stride piano. Fats Waller, vocalista y showman de talento, se convirtió en el intérprete más popular de este estilo.

Un segundo estilo pianístico desarrollado en esta época fue el llamado boggie-woogie, que se hizo muy popular en décadas posteriores.

El pianista más innovador de la década de los 20 fue Earl Fatha Hines. Su estilo influyó en la mayoría de los pianistas de la generación siguiente, en especial en Teddy Wilson y en Art Tatum, que fue admirado por su virtuosismo y calidad interpretativa.

Durante la década de 1.920 hubo grupos de jazz que comenzaron a tocar siguiendo el modelo de las bandas de baile de sociedad, formando las que se dieron en llamar big bands, fueron tan populares en las décadas 30 y 40 que este período se conoce como la era del swing, con un cambio en el ritmo que suavizaba los compases en dos tiempos del estilo Nueva Orleáns, utilizando un compás más fluido, de cuatro tiempos.

Los músicos también desarrollaron el uso de estructuras melódicas cortas, llamadas riffs, con pautas de pregunta y respuesta.

El desarrollo de las big bands se debió en gran parte a Duke Ellington y Fletcher Henderson.

Ellington dirigió durante la década de los 20 una banda en el Cotton Club de Nueva York y continuó dirigiendo su orquesta hasta su muerte en 1.974, compuso piezas de concierto, coloristas y experimentales, así como los temas “Solitude” y “Sophisticated Lady”. La música de Ellington hizo de su orquesta un conjunto conexionado, con solos escritos especialmente para instrumentos y músicos determinados.

Durante la década de 1.930 se desarrolló en Kansas City un estilo diferente de jazz para big band, cuyo máximo exponente fue la banda de Count Basie, reflejo del énfasis del suroeste estadounidense en la improvisación, a la vez que conserva pasajes escritos o memorizados, relativamente cortos y simples.

El saxofonista tenor Leslie Young tocaba sobre todo con una libertad rítmica que raramente se encontraba en las improvisaciones de los solistas de otras bandas. La delicadeza del tono de Young, sus melodías fluidas, a las que ocasionalmente dotaba de un toque vanguardista y de una especie de gorjeos, abrirían un nuevo camino, como sucediera con la manera de tocar de Armstrong en la década de 1.920.

Otras figuras que hicieron escuela a finales de los años 30 fueron los cantantes de jazz Ella Fitzgerald y Billi Holiday, que utilizaron una forma de intepretar más flexible y estilizada.

Los esfuerzos pioneros de Armstrong, Ellinton , Henderson y otros músicos hicieron que el jazz adquiriera una influencia dominante en la música estadounidense de las décadas 20 y 30. Músicos tan populares como el director de banda Paul Whiteman utilizaron algunos de los recursos rítmicos y melódicos más llamativos del jazz, aunque con menor libertad y talento improvisatorio.

En un intento de fusionar el jazz con la música ligera, la orquesta de Whiteman estrenó piezas sinfónicas al estilo jazzístico , aunque más cerca de la tradición de improvisación y virtuosismo de los solos se encontraba la música de las bandas de Benny Goodman, Gene Krupa y Harry James.

Desde los días del ragtime, los compositores de jazz han admirado la música clásica. Varios músicos de la era del swing “jaezaron a los clásicos” y por su parte, los autores de música clásica rindieron tributo al jazz en obras como “Contrastes” del húngaro Béla Bartók y “Ebony Concerto” del ruso Igor Stravinski.

B. La década de 1.940 y la posguerra

El músico de jazz más influyente de la década de 1.940 fue Charlie Parker, que se convirtió en el líder e un nuevo estilo conocido como bebop, rebop o bop. Parker tocaba con big bands, sin embargo, durante la II Guerra Mundial la economía de guerra y los cambios en los gustos del público llevaron a la disolución de muchas big bands. Esta decadencia, en combinación con el estilo radicalmente nuevo del bebop, produjo una revolución en el mundo del jazz.

El bebop se basaba igualmente en la improvisación sobre una progresión de acordes, pero sus tiempos eran más rápidos, las frases más largas y complejas y la gama emocional más amplia, hasta incluir sensaciones menos agradables que las habituales hasta entonces. Los músicos de jazz tomaron conciencia de su capacidad expresiva como artistas y añadieron vocalistas, danzas y comedia.

Parker, un virtuoso del saxofón, creo melodías relacionadas con los acordes subyacentes, pero muy elaboradas, su música poseía una variedad rítmica infinita.

A finales de la década de 1.940 las big bands modernizadas llevaron al florecimiento de artistas de la talla de Gillespie y Stan Kenton, que trabajaban junto a pequeños grupos con músicos innovadores, la mayoría de estos grupos extrajeron sus idéas de piezas contemporáneas firmadas por maestros como Bartók o Stravinski.

Los experimentos más importantes, de mediados de siglo, con un jazz influido por la música culta se dieron en las grabaciones realizadas por el inusual noneto que lideraba Miles Davis. Los arreglos escritos por Davis y por otros eran de sonoridad tranquila, pero tímbricos y armónicamente muy complejos. Muchos grupos adoptaron ese estilo cool, sobre todo en la costa oeste, teniendo su punto culminante en la década de 1.950.

No obstante, la mayoría de los músicos continuaron acrecentando la tradición más caliente y estimulante del bebop. Entre las máximas figuras del hard bop se encuentra el saxo tenor Sonny Rollins, uno de los mayores talentos de su generación. Otra derivación del estilo de parker sería el soul jazz, que tocaban el pianista Horace Silver, el saxo Cannonball Adderley y su hermano Nat como corneta.

C. Finales de las décadas de 1.950, 1.960 y 1.970

En 1.955 Miles Davis organizó un quinteto que contaba en sus filas al saxofonista tenor John Coltrane cuyo enfoque contrastaba con las líneas melódicas de Davis.

En 1.958 apareció en un álbum legendario de Miles Davis, “King of Blue”, junto con el pianista Bill Evans. Davis compuso para este álbum un grupo de piezas que pertenecen todas a la misma tonalidad, con un mismo acorde y modalidad mantenidos durante 16 compases cada vez, que justificó el nombre de jazz modal, lo que suponía gran libertad para el improvisador.

Otro producto de la experimentación de finales de la década de 1.950 fue el intento del compositor Gunther Sculler, junto con el pianista John Lewis y su Modern Jazz Quartet, de fusionar el jazz y la música clásica en una tercera corriente, uniendo músicos de los dos mundos en un reperorio que se nutría con técnicas de ambas músicas.

También esos fueron los años de mayor actividad del compositor, bajista y líder de banda Charlie Mingus, y del controvertido saxofonista Ornette Coleman, que inspiró a toda una escuela de jazz de vanguardia en las décadas 1.960 y 70.

Mientras tanto, la corriente principal del jazz, o mainstream, aunque incorporaba muchas de las idéas melódicas de Coltrane e incluso algunas piezas de jazz modal, continuó construyendo sus improvisaciones sobre las progresiones de acordes de las canciones populares.

Las canciones brasileñas, en especial las del estilo de la bossa-nova, lograron incorporarse al repertorio de principios de la década de 1.960, a la vez que muchos grupos enriquecieron sus percusiones con instrumentos caribeños.

El jazz atravesó una crisis de público y ventas a finales de la década de 1.960. Las audiencias juveniles estaban a favor de la música de soul y de rock, mientras que los aficionados adultos se sentían ajenos a las abstracciones y falta de emoción de gran parte del jazz moderno, por lo que los músicos de jazz volvieron a extraer ideas de la música popular. Algunas provendrían del rock, pero la mayoría tendrían su origen en los ritmos de baile y las progresiones de acordes de músicos de soul como James Brown.

En 1.970 Davis grabó “Bitches Brew”, que combinaba soul e instrumentos electrónicos, no debe por ello sorprender que los epígonos de Davis crearan algunos de los discos de fusión de mayor éxito en la década, siendo de mención el brillante pianista Chick Corea con su grupo Return to forever.

Por su parte, los músicos de rock comenzaron a incorporar frases y solos de jazz sobre ritmos de rock, entre estos grupos estaban Chase, Chicago y Blood, Sweat and Tears.

Durante este mismo periodo, otro discípulo de Davis, el pianista Keith Jarrett alcanzó el éxito mezclando instrumentos electrónicos y estilos populares, convirtiéndose en el más importante pianista de jazz contemporáneo.

D. La década de 1.980

A mediados de la década de 1.980 los artistas de jazz utilizaban nuevamente una gran variedad de estilos para públicos distintos y había un renovado interés por el jazz serio. Si bien el jazz siguió siendo en esencia un feudo de los músicos estadounidenses, su público internacional floreció hasta el punto de que los músicos de otros países formaron un subgrupo cada vez más importante. En España han destacado sobre todo el pianista y compositor Tete Montoliu y el saxo tenor y compositor Pedro Iturralde.

Giacomo Puccini.

Compositor italiano, autor de óperas que destacan por su intensa emoción y teatralidad, tierno lirismo, orquestación colorista y rica línea vocal. Puccini nació el 22 de diciembre de 1858 en Lucca en el seno de una familia de músicos eclesiásticos. Desde el siglo XVIII todos los Puccini fueron organistas y maestros de capilla en la Iglesia de San Martino de esta ciudad. El último fue su padre.
En 1880 Puccini escribió la Messa di Gloria, a la vista de la cual un tío suyo, Fortunato Magi, decidió fomentar su educación musical. Después de estudiar música en el conservatorio de Milán y de muchas privaciones por sus escasos recursos (1880-1883), escribió su primera ópera Le Villi (1884), lo que le valió el encargo de una segunda ópera, Edgar (1889), y la amistad para toda la vida de Ricordi, uno de los principales editores musicales. Su tercera ópera, Manon Lescaut (1893), fue considerada obra de un genio. Sin embargo, La Bohème (1896), dirigida por Arturo Toscanini en su estreno en Turín, no fue bien recibida por el público, aunque algunas de sus arias se encuentran entre las más populares del repertorio actual. Pero sus siguientes composiciones lanzaron a Puccini a la fama mundial.
Otras óperas de este compositor son Tosca (1900), Madame Butterfly (1904), que no gustó en su estreno en La Scala de Milán, aunque más tarde fue un éxito cuando Puccini la revisó, La fanciulla del West (1910), La rondine (1917) y El Trittico, trilogía de óperas en un acto que comprende Il Tabarro, Suor Angelica y Gianni Schicchi (1918). Falleció el 29 de noviembre de 1924 en Bruselas cuando componía Turandot, obra que completó Franco Alfano. Estrenada en 1926 es su ópera más exótica.
La Bohème, Tosca, Madame Butterfly y Turandot, las tres primeras con libretos de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa, ya pertenecen al repertorio clásico y todas destacan por su suntuosa orquestación, melodías vocales sostenidas y un control del ritmo que permite manipular de forma eficaz la reacción emocional del público. Uno de los temas recurrentes en sus óperas es la destrucción de una joven inocente a manos de una sociedad insensible. En Madame Butterfly la protagonista muestra una evolución emocional y una nobleza que convierten el final en una escena de gran dramatismo. Sus cualidades musicales y escénicas lo sitúan entre los compositores de ópera más destacados.

Eric Clapton.

Eric Patrick Clapton nació en Inglaterra el 30 de marzo de 1945. Creció hasta los nueve años, creyendo que sus abuelos eran sus padres, y cuando estos pensaron que Eric tenía la suficiente edad para saber la verdad, le contaron que su "hermana",era en realidad su madre, y que no se lo habían dicho antes, para evitarle sufrir por culpa de su ilegitimidad.

Era un muchacho sosegado y educado, y un estudiante con una clara aptitud para el arte. Después de oir al "Rey" y a Buddy Holly, clapton se entusiasmó por la música, y a la edad de 13 años, su abuela le compró su primera guitarra, una Spanish Hoya Acústica de 14 libras. El blues fue el tipo de música que más se adentró en Eric Clapton, y así comenzó a escuchar a artistas como Jimmy Reed, Muddy Waters, Big Bill Broonzy, y muchos más.

Cuando contaba ya con 16 años, Eric Clapton fue admitido en el Kingston College Of Art, gracias sobretodo a sus magníficos trabajos de arte. Aunque eligió estudiar diseño de vidrio de colores, no logró acabar la mayoría de los trabajos que le encargaban, ya que dedicaba la mayor parte del tiempo a tocar la guitarra. Más tarde encontró trabajo en la construcción, y cuando logró ahorrar una buena cantidad de dinero, se compró la que sería su segunda guitarra, una Kay eléctrica de 100 libras, y comenzó a tocar en clubes folk por las noches. De este modo, Eric Clapton se adentró en el mundo de la música.

Aunque su primera banda fue The Roosters, Eric Clapton comenzó a tener éxito cuando se unió a The Yardbirds. Durante su estancia con los Yardbirds le apodaron "Slowhand", mote con el que todavía hoy es conocido. Después de seis meses, desilusionado con la nueva dirección musical de la banda que había abandonado el blues para meterse de lleno en el pop, Clapton abandonó, justo cuando lograron su primer gran éxito en las listas británicas. Semanas más tarde, fue invitado a unirse al grupo John Mayall's Bluesbreakers. Durante su estancia con John Mayall, Clapton se hizo definitivamente un nombre tanto para él como para el grupo en su conjunto, es durante este periodo cuando aparecen las famosas pintadas en Londres "Clapton Is God". El álbum John Mayall's Bluesbreakers With Eric Clapton muestra por primera vez el talento único de Clapton.

En 1966, deja el grupo de Mayall y se une a Jack Bruce y Ginger Baker para formar el primer supergrupo de la historia del Rock, Cream. Después de tres años de grabaciones sucesivas y conciertos multitudinarios sobre todo en Estados Unidos el grupo se separa en 1968 tras fuertes discusiones entre Jack Bruce y Ginger Baker.

En 1969 forma un nuevo grupo llamado Blind Faith con la presencia de Steve Winwood. Un álbum con las maravillosas “Can’t Find My Way Home” y “Presence Of The Lord” y una gira americana fue el bagaje musical de este gran grupo que tan solo duró un año. Ese mismo año Eric Clapton fue invitado por John Lennon para tocar en varios conciertos con él y para grabar el single "Cold Turkey." A finales de 1969 y principios de 1970 Clapton tocó en la banda de Delaney and Bonnie. Con la ayuda de los miembros de esta banda Clapton grabó su primer álbum en solitario en 1970, titulado Eric Clapton y que contiene temas clásicos del repertorio de Clapton como “Let It Rain”, “Blues Power” o “After Midnight”.
eric clapton

En 1970, Clapton colaboró en la grabación del magnífico triple LP de George Harrison “All Things Must Past” y formó un nuevo grupo con tres miembros de la banda de Delaney and Bonnie, Carl Radle, Bobby Whitlock y Jim Gordon. El grupo se llamó Derek And The Dominos, con este grupo y la ayuda del guitarrista Duane Allman, Clapton grabó el mejor álbum de toda su carrera “Layla and Other Assorted Love Songs” que compuso inspirado en la mujer de George Harrison, Patty Boyd, con la que Clapton contrajo matrimonio más tarde, aunque sin embargo en su día no tuvo el reconocimiento que se merecía y pasó prácticamente desapercibido. Durante las sesiones del All Things Must Past, Clapton comenzó su adicción a la heroína. Tras el fracaso de Layla, la muerte de su padre Jack Clapp y la de su amigo Jimi Hendrix, está dependencia se hizo aún mayor y durante dos largos años desapareció de la escena musical, apareciendo tan solo en el concierto de Bangladesh de George Harrison y con Leon Russel en un concierto en Londres.

En enero de 1973, Eric Clapton tras una exitosa terapia basada en la acupuntura dejó sus problemas con las drogas y su amigo Pete Townsend le organizó un concierto de regreso en el Rainbow Theatre de Londres, en el que además de Clapton y Townsend participaron Ron Wood y Steve Winwood.

En Julio de 1974, Clapton graba el álbum 461 Ocean Boulevard que es número 1 en las listas americanas y que incluye la versión del clásico de Bob Marley, "I Shot The Sheriff". Clapton también aparece ese mismo año en la película Tommy de los Who. En abril de 1975, Clapton graba There's One In Every Crowd y un álbum en directo en agosto titulado, E.C. Was Here, al que sigui No Reason To Cry en agosto de 1976, en el que colaboraron el grupo The Band, Ron Wood y Bob Dylan.
eric clapton

Pero el verdadero éxito comercial como artista en solitario llega en noviembre de 1977 con el álbum Slowhand. El LP contiene los éxitos "Lay Down Sally", "Wonderful Tonight" y el clásico "Cocaine" y vendió más de 3 millones de copias en U.S.A. En noviembre de 1978, Clapton edita Backless que entra en el Top 10 con la canción "Promises." A finales de los 70, la carrera de Clapton empezó a sentir los efectos de su adicción a la bebida. En mayo de 1980, publica el magnífico doble álbum en directo, Just One Night grabado en Japón a finales de 1979.

En abril de 1981, se edita Another Ticket y de nuevo llega al Top 10 con "I Can't Stand It.". Ese mismo año, Clapton se desploma durante una actuación en Madison, Wisconsin (USA) y es hospitalizado inmediatamente. Se le diagnostican varias úlceras una del tamaño de una mandarina. Tras lo cual ingresa en una clínica especializada para resolver sus problemas con el alcohol.

En febrero de 1983, Clapton firma por la compañía discográfica Warner Brothers y publica Money And Cigarettes. Al mismo tiempo aparece una recopilación de grandes éxitos de su etapa con la compañía Polydor titulado Time Pieces-Best of Eric Clapton que vende más de 7 millones de copias en the U.S.A. En marzo de 1985, graba Behind The Sun que incluye "She's Waiting," "Same Old Blues" y "Forever Man.". Ese verano participa en el macroconcierto Live Aid donde realiza una actuación impresionate y que supone un punto de inflexión en la carrera de Clapton, atrayendo a miles de nuevos fans y rejuveneciendo su música. También compone varios temas para la banda sonora de la serie Edge Of Darkness, por la que recibe varios prestigiosos premios.

En noviembre de 1986, se publica August que incluye los éxitos "It's In The Way That You Use It" (que también aparece en la banda sonora de la película The Color Of Money) y "Tearing Us Apart" (con Tina Turner). La revista Q magazine titula al álbum como,"...el comienzo oficial del renacimiento de la carrera de Clapton...".

En febrero de 1987, recibe el premio Lifetime Achievement Award del British Phonographic Institute. En abril de 1988, se publica su primera caja recopilatoria titulada Crossroads que incluye 73 canciones de todas sus épocas y grupos. En 1990, Crossroads consigue ser la primera caja recopilatoria de la historia en conseguir el disco de platino (y más tarde el doble platino). También en 1988, Clapton graba temas para otras dos bandas sonoras Homeboy y Lethal Weapon 2 .

En noviembre de 1989, se publica Journeyman. Este LP está considerado como sus regreso a las raices blues-rock que fue la principal característica de la música de Clapton en las décadas de los 60 y 70. Podemos destacar principalmente "Pretending" y "Bad Love.", con este último tema Clapton consiguió en 1991 su primer Grammy como artista en solitario y en 1990, Journeyman ganó el Billboard Music Award como Mejor Album de Rock.

1990 también fue un año de tragedia para Clapton. Después de un concierto en Alphine Valley con Steve Ray Vaughan, Robert Cray, Jimmie Vaughan y Buddy Guy, varios miembros del equipo de la gira americana de Clapton y Steve Ray Vaughan, fallecen en accidente de helicoptero. En 1991 nuevamente la tragedia golpea a Clapton cuando su hijo de 4 años muere tras caerse desde la ventana de un rascacielos en Nueva York.

En octubre de 1991, se publica el doble álbum en directo, 24 Nights que recoge varias actuaciones en directo en el Royal Albert Hall de Londres en 1990 y 1991. En diciembre de ese mismo año realizó una gira con George Harrison en Japón. En enero de 1992, Eric Clapton grabó un concierto acústico para la cadena MTV y dos nuevas bandas sonoras Rush y Lethal Weapon 3 (que incluye la canción "It's Probably Me" con Sting). En agosto, se publicó el concierto acústico con el título Unplugged, que contiene los éxitoseric clapton “Tears in Heaven” dedicada a su hijo y una nueva versión acústica del clásico "Layla.". Este LP ganó 6 Grammys y vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo. Clapton también ganó el premio al Mejor Video de los MTV Video Music Award por "Tears In Heaven.".

1993, fue el año de los premios para Clapton. No sólo recibió los 6 Grammys anteriormente mencionados por Unplugged, sino que además entró en el Rock & Roll Hall of Fame como parte del grupo Cream (TheYardbirds habían entrado anteriormente). En cuanto a las grabaciones Clapton aparece en varios álbumes tributo: Tribute To Curtis Mayfield, Stone Free: A Tribute To Jimi Hendrix, y Bob Dylan 30th Anniversary Concert. En septiembre de 1994, se edita From The Cradle, que es el primer álbum completamente de blues grabado por Clapton. En él se recogen una colección de temas clásicos del blues. El LP ganó el Grammy al Mejor Álbum de Blues Tradicional en 1995 y vendió más de 3 millones de copias en U.S.A., siendo el disco de blues que más ha vendido de la historia.
Ese año, el nombre de Clapton sonó en la prensa londinense como uno de los posibles sustitutos del fallecido Lennon para ser el cuarto componente de los "Beatles", como parte de un proyecto destinado a unir de nuevo a los supervivientes del famoso grupo de Liverpool.

En abril de 1996, se publica una nueva caja recopilatoria con el título Crossroads 2: Live In The Seventies, que consiste básicamente en actuaciones en directo grabadas durante los años 70 así como 4 temas en estudio no publicados anteriormente. Clapton también obtuvo un gran éxito ese año con el tema “Change The World” con la colaboración de Babyface. También participó en un concierto homenaje a Stevie Ray Vaughan y en el concierto Prince’s Trust en el Hyde Park de Londres, donde realizó una actuación memorable.

En 1997, Eric Clapton colaboró con Simon Climie en un álbum techno titulado Retail Therapy (en el que aparece con el pseudónimo "X-Sample"). Clapton también ganó ese año otros 3 Grammy: Grabación del Año y Mejor Vocalista Pop Masculino por "Change The World" y compartió el Grammy a la Mejor Actuación Rock Instrumental por "SRV Shuffle." del álbum tributo a Steve Ray Vaughan.

En marzo, Clapton publicó el álbum Pilgrim y en julio abrió una clínica para la rehabilitación de drogadictos y alcohólicos en la isla caribeña de Antigua con el nombre de “Crossroads Center”.

En 2004 publica un álbum homenaje al mejor bluesman de la historia: Robert Johnson. "Me And Mr. Johnson" incluye 14 versiones de los 29 temas que grabó el maestro del blues del Mississippi durante su breve carrera en los años 30. Muchos llaman a Johnson el mayor bluesman de todos los tiempos por su gran influencia sobre las carreras de Muddy Waters, Howlin’ Wolf, The Rolling Stones y The Allman Brothers Band. Eric Clapton ha grabado este disco con una banda de auténtico lujo: Billy Preston (teclados), Nathan East (bajo), Andy Fairweather Low (guitarra) y Steve Gadd (batería) entre otros. Clapton ya había grabado con anterioridad alguna canción del maestro Johnson, tanto en sus discos en solitario como cuando formaba parte de las bandas John Mayall’s Bluesbreakers o Cream. Pero “Me and Mr.Johnson” será el primer tributo completo que Clapton ha realizado en su carrera.

En 2007, con motivo de la celebración de los 25 años de su tema 'Layla', Eric Clapton nos ofrece un doble CD recopilatorio con 36 temas con lo mejor de su carrera. ´Layla' fue compuesta en 1972 por Clapton como homenaje Patty Boy, mujer del desaparecido Beatle George Harrison, y que después se convirtiría en esposa del propio Clapton.

El Mesías.

El Mesías es la obra más conocida de Georg Friedrich Händel, aunque no debe ser considerada como característica, ya que ocupa un lugar único dentro de la extraordinaria colección de oratorios handelianos. Mientras en los demás oratorios de Händel puede reconocerse una marcada influencia italiana, la música del Mesías se arraiga en las antiguas pasiones y cantatas alemanas.

La obra se compuso en Londres, en 1741, con una extraordinaria rapidez (tres semanas). La costumbre vincula esta obra a la Navidad, pero no hay que olvidar que este oratorio no sólo trata del nacimiento de Jesús, sino de toda su vida. Unos meses después de ser compuesta, la obra se estrenó en Irlanda, durante un viaje de Händel, pero el gran estreno no llegó hasta 1742, en el New Music Hall de Dublín para un concierto benéfico.

Fue el libretista Charles Jennens quien compuso el texto de la oratoria, formado tan solo por fragmentos bíblicos. Jennens presentó la obra como si fuese una ópera, dividiéndola en tres actos subdivididos en escenas.

La primera parte tiene por tema el Adviento y la Navidad. Se anuncia la venida de Cristo, por lo que nos encontramos con algunos momentos de exaltación marcados de una gran intensidad expresiva.

La segunda parte ilustra la Pasión, la Resurrección y la Ascensión finalizando con el famoso "Hallelujah". Así pues, la segunda parte, que había empezado en el dolor y la tristeza de la Pasión, se llena de júbilo con el "Hallelujah" arropado por el coro, trompetas y timbales. En la tercera, se relata la victoria de Cristo ante la muerte, el juicio final y la palabra "Amen", que corona la obra.

Exceptuando la "Sinfonía" inicial, a modo de obertura o introducción, y la "Pifa", que celebra el nacimiento de Cristo, ambas para orquesta, la obra es una sucesión de arias con algún arioso y algún duetto, recitativos y coros.

Se puede decir que la oratoria de Händel aun siendo sencilla, destaca por su monumentalidad en cuanto a duración y proporciones sonoras.

La Flauta Mágica.

El autor de la obra es Mozart nace en Salzburgo en 1756, hijo del compositor Leopold Mozart, (1719-1787) será éste quien le enseñe los primeros pasos en la música y quien lo exhiba por todas las cortes europeas, buscándole un puesto importante en el que desarrollar su labor, amén de poder obtener beneficios económicos para él mismo. Una obsesión de un hombre de mentalidad barroca que veía en el futuro de un músico el trabajo al lado de un príncipe.
Este recorrido europeo por todas sus cortes, motivó que el joven Mozart fuese asimilando toda la música con la que se encontraba (Viena 1763; París, Londres, Holanda y Suiza en 1766; Italia de 1769 a 1771, estando en Bolonia, Florencia, Pisa, Roma...) terminado este periplo decide establecerse en su ciudad natal y trabajar allí, pero su juventud le impide alcanzar puestos relevantes y sus grandes conocimientos hacen que no encaje como un aprendiz. Motivos por los cuales decide trasladarse por las cortes europeas en busca de mayor fortuna, hasta que es llamado por el arzobispo de Salzburgo para que entre a trabajar para él.
La muerte de su madre, las precarias relaciones paternas, el menosprecio de la aristocracia por su labor (dentro de una concepción barroca, el compositor no era sino otro tipo de sirviente especializado) y la autoridad del arzobispo-príncipe de Salzburgo Colloredo, para quien trabajaba y con quien no acaba de congeniar, motivó que Mozart se marchase definitivamente a Viena en 1781. Allí comenzará a dar clases y a componer para varios nobles en espera de poder alcanzar un puesto en la corte. Estas composiciones abarcarán varios géneros, por un lado la música de cámara, componiendo 6 cuartetos (entre 1780 y 1782) en donde podemos observar una inclinación por la escritura fugada; por otro, al estar trabajando para el barón Swieten, admirador de la música de otras épocas, realizará una serie de “arreglos” de algunas obras de Haendel o de Bach entre otros, con el fin de adecuarlas al gusto de la época, circunstancia que no tuvo el éxito esperado ya que sus contemporáneos no solían apreciar el arte del pasado. También compondrá conciertos para piano, dado el gusto del público vienés por este instrumento. En ellos, Mozart ampliará el concepto de concierto, creando el estilo clásico al utilizar un contraste de tonalidades y materiales temáticos en forma de sonata, técnica que ya aplicaron con anterioridad Johann Christian Bach y Haydn, pero que sólo en Mozart se alcanza un equilibrio de elementos satisfactorio. El último de los grandes géneros que abordará el compositor, será la ópera, también en ella aportará sus innovaciones, sobre todo en la cómica dando una nueva humanidad, profundidad y sentimiento. En este sentido, se aleja de las italianas de esta misma época, introduciendo innovaciones como la fusión entre ópera seria y ópera cómica (buffa).
Es de un estilo del clasicismo musical, la obra se divide en dos actos(Singspiel),el año de composicion es el 1791.
Se estreno por primera vez en Theater auf der Wieden (Viena).La fecha del primer estreno fue el 30 de Septiembre de 1791.
En España la obra se estreno en el Liceo de Barcelona, el 15 de Enero de 1925.

El violín virtual

El violín virtual

El piano virtual

La Bateria virtual.

Diferencia entre Bach y Haendel.

HAENDEL.
Nació en Alemania en 1685, el mismo año que J.S. Bach, sólo que con cuatro semanas de diferencia. Pertenecía a una familia que profesaba la religión luterana, y ambos eran del mismo estrato social. Bach permaneció siempre entre las ciudades y pueblo de Alemania central. En cambio, Haendel fue más aventurero y viajó desde muy joven. Esta circunstancia le dio la posibilidad de conocer gente y paisajes, permitiéndole cultivar un espíritu más cosmopolita, lo que puede apreciarse en su música.
Haendel amaba los grandes auditorios. En el principio de su carrera, viajó mucho por Italia, conoció a los grandes compositores de su época, como Corelli, a Scarlatti padre e hijo, y también a Vivaldi. Sin embargo, desarrolló su carrera de compositor en Londres, que por ese entonces tenía una vida teatral floreciente.>
En 1741, fue invitado a visitar Dublín, donde dio conciertos benéficos. Ahí se entregó a escribir obras nuevas, entre ellas, El Mesías a la que, según su propia denominación, llamó oratorio sacro.>
La primera interpretación de El Mesías tuvo lugar el 13 de abril de 1742. Fue una jornada de gran éxito en la que, con sentido teatral, se anunciaba el nacimiento de Cristo con trompetas y un coro de ángeles, y también se expresaba el típico espíritu dramático de las pasiones.>
Además, el público se emocionó ante la grandiosidad del fragmento más conocido: el Aleluya.>

BACH.
Su nombre real esm Johann Sebastian Bach,fué Compositor alemán,considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos y cuya primera mención documentada se remonta a 1561. Hijo de Johann Ambrosius, trompetista de la corte de Eisenach y director de la música de dicha ciudad, la música rodeó a Johann Sebastian Bach desde el principio de sus días.
A la muerte de su padre en 1695, se hizo cargo de él su hermano mayor, Johann Christoph, a la sazón organista de la iglesia de San Miguel de Ohrdruf. Bajo su dirección, el pequeño Bach se familiarizó rápidamente con los instrumentos de teclado, el órgano y el clave, de los que sería un consumado intérprete durante toda su vida.

Saxofón.

El Saxofón fue inventado alrededor de 1840 por Antoine-Joseph Sax (1814-1894), apodado Adolph Sax, nacido en Dinant (Bélgica); factor de instrumentos, como su padre, presenta su muevo instrumento al público por primera vez en agosto de 1841 (Saxofón Bajo), formando parte de la segunda exposición del Museo de la Industria de Bruselas. El 3 de febrero de 1844, Sax en persona interviene en la audición de la primera obra instrumental con saxofón; se trata de una transcripción que Berlioz hizo de su "Hymno Sacro", y que se interpretó en la sala Herz de París. A Berlioz, coetáneo y defensor de Sax, se le deben frases como: "El sonido de saxofón es tan dulce como un ángel". "El saxofón con respecto al clarinete -afirma Sax- es el Niágara del sonido". Pero hubo que esperar hasta el 21 de marzo de 1846 para patentar definitivamente el saxofón, en París.
A partir de 1845 el saxofón pasa a formar parte de las bandas de música militares de Francia, con lo cual comienza un largo e importante camino que se prolonga hasta hasta hoy, extendido desde hace ya años a las Bandas Sinfónicas, donde desempeña un extraordinario papel. Es también utilizado magistralmente como vehículo sonoro desde 1850, para expresar la atmósfera fascinante y exótica del Jazz, primero en América, y después hacia los años 20 del siglo XX en Europa. Sin embargo, no es frecuente encontrar al saxofón formando parte integrante de la Orquesta Sinfónica, a pesar de que autores como: Thomas, Massenet, Bizet, Meyerbeer, Ravel, Prokofief, Milhaud, Strauss y Gershwin entre otros lo emplearan en algunas de sus obras. Su desarrollo también se ha visto afectado por la falta de continuidad de su uso en Orquestas Sinfónicas y por un estancamiento en el progresivo proceso de aumento de empleo del instrumento por los compositores así como en la popularización del saxofón entre el público. El problema principal se reduce, a la falta de verdaderos especialistas de saxofón. Un saxofón tocado de forma erronea es contraproducente al aumento de su prestigio y popularidad. Las intervenciones del saxofón en la Orquesta sinfónica deberían de ser confiadas a saxofonistas de calidad, y no a clarinetistas que por muy buenos que sean, no dejan de ser clarinetistas.
Un panorama más brillante ofrece, sin duda alguna, el repertorio concertístico, en el que el saxofón es destinatario de conciertos, música de cámara y composiciones de diversa índole formal. Actualmente, el número de obras en las que interviene el saxofón como líder, sobrepasa las diez mil. Destacan compositores como: Debussy, Glazunov, Ibert, Arma Villa-Lobos, Jolivet, Husa, Koechlin, Denisov, Constant, Creston, Rivier, Martín, Milhaud, Webern, etc... España se ha incorporado recientemente a este capítulo; en tal sentido contamos con Halfter, De Pablo, Marco, Alís, Villarojo, Otero, Angulo y Arteaga entre otros.
Sería faltar a la realidad del saxofón, si no indicamos los nombres de aquellos saxofonistas que con más acierto han hecho del saxofón lo que es hoy. En música clásica destacan: Marcel Mule (considerado el inciador de la escuela clásica del saxofón), Sigurd Rascher, Jean-Marie Londeix, Celil Leeson, Daniel Deffayet y Donald Sinta entre otros. En Jazz destacan: Rudy Wiedoeft, Sidney Bechet, Charlie Parker, Coleman Hawkins, Paul Desmond, Stan Getz, Gerry Mulligan y el español Pedro Iturralde.

Genesis

Genesis es uno de los grupos de rock británicos más famosos. Creado a finales de los sesenta, ha mantenido una trayectoria exitosa hasta la década de los noventa.
Son originarios de Inglaterra, los adolescentes Peter Gabriel, Mike Rutherford, Anthony Phillips, Tony Banks y Chris Stewart comenzaron su camino musical en la escuela secundaria Charterhouse Godalming, componiendo sencillos para el joven productor Jonathan King. El nombre del grupo alude al Génesis, primer libro de la Biblia. Sus composiciones de ese breve período fueron lanzadas como su álbum debut From Genesis to Revelation (es decir, "desde el Génesis hasta el Apocalipsis") en 1969. Sin embargo, King no les trae ningún beneficio, por lo cual deciden abandonarlo.
Más tarde conocen a otro productor, Tony Stratton Smith, con el que graban su segundo álbum, Trespass, con John Mayhew a la batería. Una vez terminado el disco, Anthony Phillips decide abandonar el grupo por miedo escénico, que le impedía cumplir con las obligaciones de músico en las giras que realizaban, con él se va John Mayhew.
Para sustituir a Anthony Phillips y John Mayhew ingresan el baterista Phil Collins y el guitarrista Steve Hackett, cuya presencia contribuye a definir el sonido característico del grupo, como se aprecia en el siguiente álbum, Nursery Cryme. Comienza así un período en el que el aspecto teatral de sus actuaciones en vivo (cambios de vestuario, maquillaje y la particular interpretación de Gabriel como vocalista y showman) cobra tanta importancia como el musical, como puede observarse en la puesta en escena de temas tales como "The Musical Box". Las composiciones, especialmente "Supper's Ready" de Foxtrot, tienen la complejidad de las de otras bandas de rock progresivo.

Las letras también se volvieron más serias y los conciertos estaban saturados de efectos de video y sonido. Esta primera etapa se cierra con la edición de un disco en vivo, titulado Genesis Live, donde las tendencias teatrales quedan finalmente documentadas. El álbum Selling England by the Pound, si bien siguió esta misma línea, demostró una maduración extraordinaria de la banda lo que hizo que sea considerado por muchos el disco más representativo del período de Peter Gabriel en Genesis. Selling England by the Pound es el álbum más sofisticado del grupo.
No obstante, esta etapa no duraría mucho. El lanzamiento del ambicioso LP doble llamado The Lamb Lies Down on Broadway a finales de 1974 marcó la última participación de Gabriel en el grupo. En Agosto de 1975, al terminar la gira de presentación de este disco bisagra en la historia del rock mundial, Gabriel anunciaría, por motivos personales, el apartamiento de la conformación.
Ante rumores de separación definitiva se realizaron audiciones para reemplazar al cantante lo cual parecía una tarea destinada al fracaso. Sin embargo el grupo prefería que Collins tomara el rol de cantante, lo que venía haciendo satisfactoriamente durante algunos ensayos en esos tiempos. La banda regresó a los estudios como un cuarteto en Octubre de 1975 para comenzar su nuevo álbum. El resultado fue A Trick of the Tail, que llegó a ser número tres en Inglaterra y número 31 en Norteamérica (el mejor puesto conseguido por un álbum de Genesis hasta entonces). El éxito confundió completamente a los críticos que no podían concebir a Genesis sin Peter Gabriel. Este disco permite entrever la distinta orientación que la banda adoptaría en lo musical, precisamente más dirigida al éxito en lo comercial que a la revolución musical que de Trespass a The Lamb Lies Down on Broadway había producido. Para las presentaciones en vivo, el grupo contrató a un baterista, ya que Phil Collins debía cantar. Bill Bruford, ex-miembro de Yes y King Crimson, se unió al grupo para una parte de la gira. Después de eso, Chester Thompson tomó la tarea.
Hubo un gran cambio en su sonido en 1978, un Genesis reducido lanzó And Then There Were Three, con el que el grupo inicia una etapa mucho más comercial y si bien la banda todavia mantuvo al progresivo como estilo para este album, tambien ya se notaba una propuesta mucho mas accesible . De esta época destacan los álbumes Duke, (el cual se convirtió en su primer álbum número uno en Inglaterra mientras ascendía al puesto número 11 en Norteamérica), Genesis ,Abacab e Invisible Touch. De este último trabajo salen "Tonight, Tonight, Tonight", "Invisible Touch", "In Too Deep" y en particular el hit rockero "Land of Confusion", que además fue galardonado por tener uno de los mejores vídeos de ese año.
Ya en los últimos años sale We Can't Dance (1991), que continúa la línea del rock/pop con variados estilos característicos del grupo. Este álbum debutó como número uno en Inglaterra y alcanzó el número cuatro en Norteamérica. "No Son of Mine" y "Jesús He Knows Me" treparon con facilidad a los rankings mundiales, además de "Driving the Last Spike" y "Fading Lights", que mantiene su vieja línea sinfónica/progresiva. Este álbum es el trabajo más vendido de Genesis hasta la fecha.

Motete

Alcanza en el siglo XIV una organización racional y abstracta que parece tener poca relación con las solemnes circunstancias para las que es compuesto. Con frecuencia escrito a tres voces , a veces a cuatro en la segunda mitad del siglo, superpone a un tenor isorrítmico, generalmente instrumental, dos voces superiores, el motetus y el triplum, caracterizadas por la plurerextualidad y la variedad de sus ritmos.La cuarta voz, el contratenor, tambien instrumental, zizzaguea en torno al tenor y progresa con él en valores largos siguiendo la estructura colortalea.Esta estructura rítmica del motete, determinada por los taleae, puede aplicarse igualmente a las voces superiores y corresponderse con la forma estrófica del texto de estas últimas.
De este modo, a partir de un plan melódico y rítmico, nace poco a poco toda una organización basada en la forma y sostenida por la armonía y el ritmo. En consecuencia, si el motete es objeto de una recelosa vigilancia por parte de la iglesia, es porque los hombres que lo escriben rompen, por la libertad y autonomía que revelan, el orden social y la organización de un mundo controlado por ella. Los valores profanos invaden los valores sacros. La cultura de los clérigos se ha vuelto laica. Basta con citar las múltiples divisiones de las notas, la independencia de las partes superiores y su parentesco con las formas profanas del virelai y de la balada , la presencia de hoquetus, el empleo de textos profanos (en latín, en francés, o los dos juntos). en los motetes de Felipe de Vitry, y mejor aún, en los de Guillaume de Machault, encontraremos el modelo del género.
Felipe de Vitry (1291-1361) . Todos sus motetes, excepto uno, Gari selon nature, están en latín. Las dos voces superiores entrelazan sus melismos por encima de un tenor isorrítmico. Los motetes 7,11 y 14 en la edición de Leó Schrade toman un contratenor instrumental. La isorritmia puede ser ampliada parcialmente a dos o varias partes o,más brevemente a todas . El ritmo trocaico(larga/ breve) continúa siendo importante.
Vitry opta en sus motetes por adaptar al texto una linea melódica estilizada en lugar de traducir su contenido afectivo o expresivo. Este procedimiento , que favorece la contrución rítmica más que la prosodia, este predominio de la ciencia en detrimento del lirismo, rinde tributo , por otra parte, al estilo intelectual y escolástico.
Guillaume de Machaut (1300-1377). Aunque la articulación melódica de la música profana de Machault esponde más a la articulación sintáctica del texto, la preeminencia de la melodía tambien estelizada, sin embargo establece un equilibrio más afortunado entre el rigor y la expresión . Más próxima al texto por su aspecto melismático, la melodía se caracteriza sobre todo por su estructura métrica que sigue estrechamente la isorritmia. Por otra parte, la frecuencia de los hoquetus al final de la obra muestra perfectamente la voluntad de conceder a la estructura mayor cuidado.
De sus veintitres motetes, diecinueve son a tres voces y algunos ilustran la tendencia a introducir un contratenor dentro de la polifonia. Machault confirma la tendencia a lo profano; quince piezas llevan dos textos franceses diferentes, frente a sólo dos piezas con textos latinos y franceses superpuestos.
La isorritmia se sitúa en niveles muy profundos en el motete del siglo XIV : veinte motetes de Machault estan compuestos según la estructura rítmica y melódica, sin que a pesar de todo dependan totalmente de ésta. Lólo los motetes 4 y 13 están construidos isorrítmicamente en su integridad, Prueban, por tanto, que Machault no abusa de ningún sistema.
Más elaborado todavía , el procedimiento de isoperiodicidad del tenor con disminución de los valores se practica en diez obras. Todos estos procedimientos empleados por Machault revelan la importancia que ha adquirido la parte vocal superior sin duda por la influencia de la cantinela en detrimento del tenor. Otra innovación que encontramos en Machault : las entradas sucesivas de las voces.

Melendi

Evolución de la Notación Musical.

Es obvio que no siempre se pudo escribir música, lo que hoy conocemos como la música de los tiempos del Imperio Romano, o de los egipcios... no son más que suposiciones basadas en los instrumentos musicales que se conservan de la época y las notas que podian emitir y teorias sobre la evolución de la música popular en esos paises. Los sistemas para plasmar la música en papel comienzan a desarrollarse de forma notable durante la Edad Media, aunque ya existian precedentes de escritura musical de la época de la Grecia clásica.

Asi aparece el sistema neumático, que se basaba en dibujar los signos a mayor altura cuanto más agudos y a menor cuanto más graves, la inexactitud de este metodo forzó la aparición de una linea de referencia que representaba una determinada nota y las demás se situaban a mayor o menor distancia en relación a esta.
El principal valedor de este sistema fue el monje italiano Guido de Arezzo, que vivió en el siglo XI e introdujo cuatro lineas en lugar de una, además, fue quien dio nombre a las notas musicales, tomando las primeras sílabas de la letra de un himno religioso muy popular en la época.
En el siglo XVI se añadio la sílaba "si" para dicha nota y en a partir del XVIII se sustituirá "ut" por "do" y se añade una quinta linea, quedando fijada de esta forma la notación musical (pentagrama significa cinco lineas en griego).

La nomenclatura de las notas que convive con esta en la actualidad y que se usa principalmente en los paises anglosajones es el sistema alfabético, en el que:

A=La, B=Si, C=Do, D=Re, E=Mi, F=Fa y G=Sol

aparecio igualmente durante la Edad Media y se añadian pares de letras para ir marcando las diferentes octavas (algo ya en desuso).

Crítica sobre GREASE.

Grease es una película musical inspirada en los años 50, rodada en 1978 en Estados Unidos bajo la dirección de Randal Kleiser.Fue la película que lanzó al estrellato a Olivia Newton-John y que ayudó a consolidar el suyo a John Travolta.
La trama trata de Sandy y Danny, que se conocieron en las vacaciones de verano y deciden despedirse pensando que no se van a volver a ver, pero por sorpresa se vuelven a encontrar en la nueva escuela donde ella ha ingresado. Pero Danny no puede estar con ella debido a que tiene una reputación de tipo duro que mantener, así que Sandy planea cambiar para estar con él.
Esta pelicula-musical es muy famosa entre gente de cualquier edad, nunca se cansa de ver esta película y tiene una muy buena banda sonora, es excelente.
Es reconmedable ver esta película, ya que pasaras un momento muy entretenido.

Música

Yo solo quiero, de Pereza



Como un perro ladrando, de el Canto de el Loco



If Were a Boy, de Beyonce

EL CANTO DEL LOCO.

El Canto del Loco nació en Madrid cuando los fundadores del grupo, que son Iván y Dani, se conocieron en 1994 en una escuela de teatro. Ambos compartían afición musical y pasión por Radio Futura, de cuya canción El canto del gallo sacaron el nombre del grupo, haciendo un juego de palabras.

Después de varios intentos para crear una formación, ficharon a David, primo de Dani. Y nuevamente fue él quien en una cumbre flamenca a la que asistió con sus padres conoció a Jandro, batería y cuarto componente del grupo. Tiempo más tarde se sumó Chema, compañero de facultad de Dani.

Entonces, El canto del loco ya eran cinco, por lo tanto ya se consideraban un grupo. Poco después conocieron al Dj y productor Pedro del Moral quien les puso en contacto con la compañía discográfica BMG Ariola, a la que entregaron una maqueta.

No pasó mucho tiempo hasta que firmaron un contrato para grabar su disco debút: "El canto del loco". "El Canto del Loco" es el primer álbum de la banda y cuenta con la producción de Alejo Stivel (ex Tequila y productor de Joaquín Sabina, La Oreja de Van Gogh y M-Clan, entre otros) que había escuchado su maqueta en el MIDEM.

Este primer disco lo forman 11 temas, entre los que se encuentra una particular versión del tema Vivir así es morir de amor de Camilo Sesto. Como primer sencillo se editó Pequeñita, un tema emblemático para el grupo, que lo compuso ya en los primeros ensayos antes de que se formalizase siquiera el grupo.

Su segundo álbum lleva por título "A Contracorriente". Un esperado trabajo en el que se percibe claramente la gran evolución de la banda en todos los sentimientos. 12 buenas canciones entre las que incluye una versión del clásico 'Crash' del grupo The Primitives y una colaboración especial de Amaia, la cantante de La Oreja de Van Gohg en uno de los temas.

En 2003 publican un nuevo álbum, titulado "Estados de ánimo". Se trata del tercer trabajo en estudio de este grupo madrileño, cuyo primer corte promocional ha sido "La Madre de José"

En junio del 2005 aparece el cuarto disco de estudio y el sexto en la discografía de El canto del loco, y refleja el espíritu de los conciertos en directo. Contiene 13 nuevas canciones y el DVD ofrece 15 temas grabados en el local de ensayo. "Son maquetas con imágenes", dice Dani Martín, cantante de la banda madrileña. De estas 15 canciones incluídas en el DVD, 13 son las que aparecen en el CD. Como extras hay una improvisación del grupo en el local de ensayo y una canción que no se ha incluído en el álbum.

El primer single del álbum es la canción que le da título, Zapatillas. Las 13 nuevas canciones están producidas por Nigel Walker, compuestas por Dani Martín y David Otero, cantante y guitarrista del grupo, y pulidas por Chema Ruiz y Jandro Velázquez, bajista y batería que completan el cuarteto. "Zapatillas es un disco grabado en estudio pero con espíritu de directo", dice Dani Martín. "Cuatro personas tocando y pocos arreglos. El Canto del Loco ha evolucionado gracias a los directos y hemos querido reflejarlo en el álbum".

Uno de los temas que forman parte del disco es Despiértame, canción compuesta por David Otero cuyos beneficios van destinados a los afectados por el tsunami asiático.

En 2008 El Canto del Loco publica "Personas", el disco con más corazón de El Canto del Loco y su trabajo más personal, que representa un punto de de inflexión en sus ocho años de carrera.

"Personas" podría dividirse en dos partes bien diferenciadas. Las ocho primeras canciones ofrecen una visión de El Canto del Loco sobre el mundo y la sociedad que le rodea, mientras las cinco restantes recorren sentimientos individuales de amor, de agradecimiento o de rabia. Son los dos brazos de una balanza equilibrada por 13 canciones de un grupo inquieto, en busca de su madurez, consciente del paso del tiempo, que se niega a perder la memoria pero que asume el momento en el que vive.

Aquí os dejo muchas de las mejores canciones de este magnífico grupo:

La Música en África.

En este elance podrás observar la música caracteristica de África, su historia, instrumentos tipicos de allí, instrumentos caracteristicos y demás.

Partitura de "La Fiesta Pagana"

Si os gusta la música de El Mago de Oz, aqui podras ver la partitura de una de sus canciones más famosas.

Evolución de la Polifonía.

En esta página podras ver un documentos Word, en el cual hay apuntes sobre la evolución de la música de la polifonía.

La ópera.

Aquí podras observar unos apuntes muy prácticos para los exámenes sobre la opera.

El trivial de la música.

Si un dia te aburres un día ya tienes que hacer, en esta pagina podras observar y jugar al trivial musical.

Anatomía del oído.

En este mapa conceptual vereis la anatomía del oído humano, podreis observar de que esta compuesto, como llega el sonido asta nuestro cerebro..etc.

La voz Humana.

Se puede observar en este libro virtual artículos sobre la voz humana y su funcionamiento en distintas etapas de nuestra vida, como al crecer se nos vuelve mas ronca..etc.

Diccionario músical.

Aquí en este diccionario podras consultar todas tus dudas sobre terminos músicales que no comprendas.Trae mas de 100 terminos relacionados con la música

El Jazz

Es un mapa conceptual sobre el Jazz, sus orígenes, características, intrumentos típicos..ect.

Mapa conceptual.

Hay un mapa conceptual de la historia de la música el cual te explica, su historia desde la Edad Media (S. V,VX) en la cuál es típica la música profana y religiosa, el Renacimiento (S. XV,XVI) hay una introducción a la música religosa, como el la Edad Media, luego esta la época del Barroco (XVII,XVIII) aquí es la música barroca y la danza barroca, el Clasicismo (XVIII) hay música religiosa y operas,El Romanticismo en el (S. XIX) habla sobre el nacionalimos y por último el Siglo XX, te habla sobre la 1ª y 2ª mitad de siglo.

The Cheiftains

The Chieftains es una banda irlandesa de música tradicional, fundada en 1963, año de la grabación de su primer LP titulado simplemente The Chieftains. Su composición inicial fue Paddy Moloney (gaita irlandesa), Martin Fay (violín y huesos, instrumento de percusión tradicional), Seán Potts (whistle) y David Fallon (bodhrán). Todos ellos eran músicos procedentes de Ceoltóirí Cualann, la orquesta de Seán O'Ríada y de la escena de pubs de Dublín. El éxito de la formación exclusivamente instrumental fue una sorpresa, ya que la emergente escena folk irlandesa se nutría principalmente de los aportes que los cantantes de grupos como The Dubliners o The Clancy Brothers realizaban.

La formación publicó su segundo disco, The Chieftains 2, en 1969 con algunos cambios: Seán Keane se incorporó como violinista y Peadar Mercier reemplazó a David Fallon en el bodhrán. El año 1971, en que su tercer disco The Chieftains 3 salió al mercado supuso el despegue de la banda y el reconocimiento a su estilo, fuertemente tradicional pero con innovaciones enriquecedoras. La banda tocó por primera vez en los Estados Unidos de América en 1972, a lo que siguieron varias giras en 1973 y 1974.

Sus componentes: Seán Keane, Martín Fay, Derek Bell, Matt Molloy, Kevin Conneff y Paddy Moloney han realizado en el grupo treinta y tres grabaciones, a parte de las realizadas por cada uno por separado. El grupo también ha realizado proyectos para revitalizar el folclore Irlandés aunque últimamente el grupo ha intentado llevar su música hacia una fusión con la música de otros artistas como pueden ser The Corrs, Mark Knopfler, Mick Jagger, Sting, Carlos Núñez, Sinéad O'Connor, Kepa Junkera o Ry Cooder. Varios de sus trabajos más importantes son "An irish Evening", "The celtic harp", "The long black veil" y "Santiago".